Pública Pública Apreciad@s compañer@s, profesor@s,
Quiero compartir uno de mis trabajos realizados para la asignatura de videocreación, es un llamado a la «cordura» e inteligencia humana.
Lo he titulado, «Will we ever stop killing children?»
Es mi aporte a la reflexión.
Espero aprender de tod@s, y gracias de antemano por compartir.
Davidcastro
Pública Apreciadas compañeras,
aquí estado «final».
Aunque tengo la «mala» costumbre de nunca dar por terminada una pintura!!!
davidcastro
Pública Apreciadas compañeras,
os adjunto mis primeros pasos en óleo al agua.
me ha costado llegar al dibujo final, sobre todo por ls elipses, que las quería dejar definidas desde un inicio.
hago una apuesta “diferente “, al cubrir el lienzo con un rosa, para que el cuadro “respire
”, vino.
espero estar a la altura de vuestros trabajos.
Pública INTRODUCCIÓN
El presente texto, tiene como objetivo, nombrar los referentes más destacados, así como, en qué contexto se enmarca mi “futuro” trabajo para la asignatura de Proyecto I.
He de decir que he entrado en un mundo desconocido, ya que siempre he trabajado en dos dimensiones, y no se me había pasado por la cabeza abarcar algo tridimensional. Me explico, durante la elaboración de la PEC 1, de esta asignatura, realicé muchísimas fotos, casi 400 (sí, a veces exagero). Y ninguna me inspiró un tema para plasmarlo en dos dimensiones. De manera casual, me doy cuenta que al revisar las diferentes fotografías, encuentro en muchas de ellas un elemento “común”, y el que se mira (si es que se mira) de manera indiferente. Ello son las “aceras/adoquines”. Llego a la conclusión que es un elemento constante en las vidas de las personas, sobre todo, para habitantes de ciudades, 70% de la población mundial vive en ellas.
Se quiera o no, siendo conscientes o no, ellas (las aceras), ellos (los adoquines), nos acompañan, diariamente. Con los pensamientos que podamos tener en esos momentos, dirigiéndonos a un lugar concreto, o no, en soledad o en compañía. Así que para la primera PEC, utilizo como semilla un Collage de diversas fotos mostrando la diversidad de adoquines que nos encontramos, y que por otro lado, no mucha gente se percata de este hecho.
IMPLICACIONES SOCIALES, HISTÓRICAS
Desde el punto de vista estético y de conservación, podemos dedicarle varios folios, así como las responsabilidades directas e indirectas de los responsables de las mismas. A parte de observar un constante movimiento de “mantenimiento”; casi todas las ciudades están en obras, con más o menos acierto, pero bajo el “sufrimiento” de transeúntes. Quienes reaccionan de manera explícita, o no, ante esta circunstancia. En algunos casos, genera accidentes (y lo menciono por experiencia propia). Pero, creo, esto lo “piensa” la gran mayoría.
Pues, lo que pretendo, es que se “piense”, algo de lo que no se es consciente. Y cuando lo piensas, recién caes en la importancia de las “aceras/adoquines”. Generándose ese pensamiento al momento de hacerlo evidente, y no haberlo tenido antes, o reflexionado en esta evidencia.
Creo que el tema está más, en la sicología y en el inconsciente de las personas. La puesta en escena de este tema, genera “pensamientos”, positivos, negativos, amorosos, penosos, otros. Y que en realidad, forman parte de nuestras vidas, cada día, y así será hasta el final de nuestros días.
REFERENTES
Hace ya unos años descubrí a un artista, provocador él, quien era autor de escultura invisibles, Salvatore Garau. Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].
Otro referente, en línea con la idea de las “aceras/adoquines” es Sol Le Witt[3], quien se enmarca dentro del arte conceptual e instalaciones murales, enfocándose más en lo material y en el proceso, que en el mensaje.
Pero donde él deja que los materiales tradicionales hablen por sí mismos, y demostrar así su vulnerabilidad, decadencia, obsolescencia, y destrucción[4].
En una línea parecida, se encuentra Carlos Garaicoa, en sus Epifanías, trabaja con las alcantarillas, “para mí la ciudad es un punto de encuentro de multitud de cuestiones y es lo que quiero plasmar … es el sitio donde confluye todo el pensamiento, toda nuestra bondad, nuestra maldad, y nuestras necesidades”[5].
El espacio urbano como protagonista, ofreciendo una imagen poética de la ciudad.
El sábado pasado (8-4-2023), he vuelto a visitar la Sagrada Familia, y me encuentro con lo siguiente: un mosaico hexagonal de la Casa Milá con elementos decorativos en relieve.
He investigo, hasta llegar a La Pedrera, donde encuentro lo siguiente:
“A finales del siglo XIX se popularizaron en Catalunya los pavimentos de pequeñas piezas de cerámica, para sustituir las baldosas de barro cocido que se habían utilizado hasta entonces. Con estas pequeñas piezas de cerámica trabajó Gaudí hasta que descubrió el mosaico hidráulico, que le permitió diseñar auténticas alfombras pétreas de colores.
Antoni Gaudí comenzó a diseñar unas piezas de mosaico hidráulico para la Casa Batlló; debido a la tardanza en la fabricación de Escofet y CIA por la complejidad del diseño, las terminó colocando en la Casa Milà (La Pedrera).
Con esta pieza hexagonal creó una composición decorativa gracias al dibujo en relieve del pavimento y el color verde nefrita. Son necesarias un total de siete piezas para leer las alegorías al mundo marino, y podemos reconocer la rotunda espiral de un ammonites, la estrella de mar del tipo ofiroideus y el triangular despliegue de un alga, perteneciente quizá a la familia del sargassum.”[6].
En este caso Gaudí, pretende dar mensajes, utiliza a artesanos, trabaja con volúmenes, gravedad, y materiales que no se habían utilizado a la fecha, o en su caso, con otras funciones. El mensaje está dirigido a las personas que contemplen estos trabajos, para generar satisfacción y percepción de vida. Así mismo, su relación emocional con la religión es no solo de fe, sino también que, la creación había producido un mundo explicado por la geometría.
Antoni Tàpies, en un momento de su creación artística, convierte la pintura en un objeto, adquiriendo un carácter escultórico. Llenando de mensajes relacionados con su posición política y su profunda catalanidad. La siguiente es una foto realizada en una visita a su Fundación/Museo el pasado mes de febrero:
COMENTARIOS FINALES
No pretendo que mi semilla genere un tema filosófico, pero sí, cotidiano y desconocido hasta el momento de la evidencia y reflexión de las personas que contemplen la obra.
Citas:
[1] Gómez Fuentes, Ángel. (01/06/2021 10:38h). “Un artista vende por 15.000 euros una escultura inmaterial, invisible, que no existe”. https://www.abc.es/cultura/arte/abci-artista-vende-15000-euros-escultura-inmaterial-invisible-no-existe-202105281941_video.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F, consultado 11-04-2023..
[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.
[3] https://www.wikiart.org/en/sol-lewitt/standing-open-structure-black-1964, consultado el 11-04-2023.
[4] https://www.theartstory.org/artist/lewitt-sol/, consultado el 11-04-2023.
[5] https://www.elindependiente.com/tendencias/2017/02/16/la-epifania-urbana-de-carlos-garaicoa/, consultado el 11-04-2023.
[6] https://www.lapedrera.com/es/blog/los-pavimentos-de-la-pedrera, consultado el 11-04-2023.
Pública 1.1. Realizar un círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.
Preparación de los materiales y dibujo del círculo:
.
Elaboración de la paleta con colores primarios, secundarios y terciarios (mezclas cromáticas sustractivas)
Creación de la escala de valor. Iluminando u oscureciendo los colores.
Primero la luminosidad con blanco.
Luego oscureciendo con negro.
Acabo el «primer intento» de círculo cromático, y me doy cuenta de la oscuridad del mismo. Así que decido volver a hacerlo pero esta vez con un «círculo cromático» de guía.
Resultado segundo intento:
Resultado Final:
1.2. Realizar 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación.
Proceso:
Finalmente he decidio trabajar esta parte con espátulas, ya que el gramaje del papel que estoy utilizando, no ayuda a deslizar el pincel sobre él, con lo cual tengo que cargar más pintura en el pincel (también podría humedecer el pincel…).
Con las espátulas, la cargo y cubro toda el área a pintar. Utilizo dos, una para hacer un primer «manchado» y el segundo para definir los bordes. Tengo la sensación de haber logrado más nitidez y uniformidad. Quizás la combinanción del gramaje con la velocidad del secado del gouache/témpera, no me ha ayudado a tener una mejor resolución del presente trabajo.
Vuelvo a los pinceles:
Resultado final:
SEGUNDA PARTE: Síntesis aditiva (colores luz).
Aquí reportaje fotográfico de los pasos seguidos para lograr el círuclo cromático en GIMP.
Resultado final del círculo cromático usando Gimp.
Laborioso, y necesitas estar pendiente de «muchos» pequeños detalles. Pero el video tutoríal, muy bien explicado.
Es cierto que para usar el degradado de grises «externo» se necesita paciencia para incorporarlo y poder usarlo.
Resultado muy interesante. Al final, manejas la herramienta con comodidad.
Anexo.-
Manchas con espátula usando el gouache sobrante (en proceso).
Pública
- 2002-08 Llama en la ciudadela de Machu Picchu. Cusco.
La llama es un animal representativo de la cultura peruana, en la foto se muestra imponente dentro de la ciudadela de Machu Picchu.
Machu Picchu, se encuentra en la cadena montañosa de los Andes, a 2.400 metros sobre el nivel del mar. En el año 2007 fue declarada como una de las nuevas siete maravillas del mundo moderno.
- 2002-08 Autoridades en Fiesta Patronal en la Isla Taquile – Puno.
La Isla se encuentra en medio del Lago Titicaca, a 4.100 metros sobre el nivel del mar.
Las autoridades visten ropas de color negro y están sentadas en sillas, mientras sus parejas lo hacen en el suelo. Separados del resto de los habitantes de la isla.
- 2002-08 Fiesta Patronal y tumbada de la Yunza en la Isla Taquile – Puno.
“La Yunza, es una celebración ritual muy antigua, practicada en todo el Perú, en el cual los asistentes deben bailar, rodeando al árbol, esperando a que el árbol con los regalos caiga por medio de machetazos. Según la cosmovisión andina tiene una representación sexual del hombre (árbol) y la mujer (tierra). El significado de la caída del árbol al suelo es rendirle tributo a la Pachamama”. Wikipedia.
- 2002-08 Isla de los Uros en el Lago Titicaca – Puno.
La Isla de los Uros, está hecha con totora, que es una planta acuática que crece en el Lago Titicaca. Y está habitada por pobladores que han adaptado sus vidas a las condiciones que puede ofrecer estas ciudades flotantes.
Una de sus fuentes de generación de valor es el de ofrecer productos artesanales a los turistas que visitan las islas.
- 2002-08 Mujer vendedora en la Isla de los Uros – Puno.
Vendedora, oriunda de la Isla flotante de los Uros, con sus productos a la venta, para los turistas. Detrás de ella, se encuentra su vivienda, también se observa, a lo lejos, tanque de agua dulce. Todo ello a una altitud de 4.100 metros sobre el nivel del mar.
- 2002-08 Niña a contraluz. Sacsayhuaman-Cusco.
En las afueras de la ciudad, en la fortaleza de Sacsayhuamán. Luciendo el sombrero típico de su pueblo, y posando para los turistas, a cambio de una propina.
Su rostro muestra lo duro de la climatología andina, mucho frío y heladas, así como sol constante durante el día, y con un alto grado de radiación.
- 2002-08 Niñas vendiendo maíz. en el Valle Sagrado de los Incas. Pisac-Cusco.
El Valle Sagrado de los Incas, acompañado por el río Urubamba, recorre uno de los caminos desde la ciudad del Cusco hasta la ciudadela de Machu Picchu.
En este caso, dos niñas (o una niña y su madre), vestidas con sus ropas de fiesta, así como sus sombreros (distinguiéndose por los colores de los flecos), ofrecen distintos tipos de maíz a los turistas.
- 2002-08 Valle Sagrado de los Incas – ciclista con poncho rojo. Ollantaytambo. Ataviado con prendas “festivas”, y así posar para los turistas, a cambio de una propina.
Otra vez, el sombrero es singular, y el poncho le va pequeño.
9. 2007 Niña Piedra de 12 puntas – Cusco.
Niña posando para los “turistas”; detrás de ella, la piedra de 12 puntas. Su vestido es el utilizado en las fiestas del pueblo. Los sombreros utilizados varían según su lugar de procedencia, tanto en forma como en colores.
- 2022 Rosa en Arequipa.
Rosa, posa con rostro serio a las cámaras de los turistas, a cambio de una “propina”. Le cuesta explicarse, ya que su lengua materna es el quechua, y su español es limitado.
“Baja” desde el Cusco hasta Arequipa para “que la retraten” y así tener un ingreso.
Su rostro está curtido por las inclemencias del tiempo, y la sonrisa se le ha “acabado”.
Ilustración 1.- Mapa del Sistema del Arte.
I.- INTRODUCCIÓN
El presente trabajo intenta realizar una descripción del sistema del arte mediante un “mapa” del mundo del arte contemporáneo.
A nivel conceptual y teórico se ha recurrido a las lecturas de Becker (2008), Thornton (2008), y Walder (sf). Así mismo para la estructuración del mapa y de los actantes se utiliza la conceptualización realizada por Walder quien cubre de manera general, y en algún caso, muy concreta el mundo del arte. Siendo las otras lecturas complementarias y de gran ayuda en la definición y concreción de aspectos de gran detalle en los distintos “acontecimientos”.
En cuanto a la forma tomo la inspiración del trabajo realizado por Katie Paterson, a continuación su “Diagrama de Candle”[1]. Quien es capaz de agrupar mucha información y asociarla con una imagen. No obstante es un reto, la cantidad de actantes y la multiplicidad de interacciones y relaciones generando múltiples nodos de distinto valor, capital monetario, capital simbólico. Y a su vez entablando relaciones de poder y dependencia.
Ilustración 2.- Katie Paterson. “Diagrama de Candle”.
Es del todo evidente que el artista y la obra de arte al pertenecer al Sistema del Arte se diluye en el espectro de esta, lo que le quita protagonismo y centrismo. O visto como una telaraña, estos actantes forman ni más ni menos, nodos interrelacionados e interactivos en el mundo del arte. Estando en la fase creativa, indago entre las imágenes de mundos y la de telarañas, así como la de un tablero de ajedrez. Finalmente me decido por la versión de nodos ya que las otras alternativas generan confusión debido a que el número de actantes a “nivel conceptual” son muchísimos, y el incluir un “universo” coloreado, o iconos tales como diferentes piezas de ajedrez, generan confusión y pierde el objetivo final del mapa, que es el que muestre y se entienda cómo está compuesto el mundo del arte. Tal como se muestra en la Ilustración 1. En los anexos amplío el mapa de tal manera de poder apreciar mejor las interrelaciones y nodos generados.
II.- DESARROLLO
Partiendo de Waelder (sf) se pueden nominar los siguientes agentes del mundo del arte como las piezas de una partida de ajedrez: Artistas (peones), Galeristas (caballos), Coleccionistas (reina), crítica del arte (alfiles), comisarios (torres), Directores de museos (rey), público. Así mismo mencionar los espacios del arte contemporáneo en este mundo: estudio, residencias de centros de producción, Ferias, Bienales, subastas, galerías de arte. Y que se mueven en el mundo real y digital (internet).
Con este espectro se plasmará el Mapa del Sistema del Arte. Al ir desarrollando cada uno de los actantes he visto por conveniente poner todos los intervinientes alrededor de cada uno de los actores/actantes principales. Ello crea como un ecosistema de vida y supervivencia. Una vez producida la obra de arte, ésta empieza su recorrido y pasa a formar parte de distintos ecosistemas que le permiten (o no) avanzar y llegar a ser “consumida” ya sea por el gran público, público (especializado), coleccionistas o Museos.
He intentado incluir a otros actantes que no han sido nombrados por Waelder (sf), que pienso son importantes, tal es el caso del Estado, por su capacidad de dar leyes (tales como las de propiedad intelectual por poner un ejemplo, o estar incluida en la Constitución Española); otorgar subvenciones, becas, premios; así como en el ejercicio de su facultad de grabar con impuestos, los materiales necesarios para producir arte, el ingreso generado por vender arte. Otra manera de participar en el mundo del arte es el de los nombramientos de directores de museos, de bienales, de ferias e influir en la gestión y organización de estos. A un nivel micro también podemos incluir dentro de éste gran actuante a los ayuntamientos que a su nivel de influencia pueden participar en el mundo del arte, como por ejemplo organizando concursos, exposiciones, encargos o licitaciones artísticas de diverso índole; también en las normativas para abrir una galería, ferias o bienales. Y a nivel supranacional, la Comunidad Europea, (ONU, OMS, FAO, FMI, BM, etc.) otorgando becas, subvenciones, líneas de crédito, licitaciones y concursos al mundo del arte. He de mencionar que es el único actante (el Estado) que tiene “nodos” o contacto con todos los actantes del mundo del arte, y de manera “directa”.
Otro actante son las revistas especializadas, tanto en papel como digitales. Esto lo desarrolla de una manera muy amena Sarah Thornton (2008) quien llega a decir que los críticos de arte pueden llegar a convertirse en verdaderos detectives; por otro lado menciona a los distintos colaboradores en las diversas revistas especializadas, tales como: académicos, críticos, estudiantes recién graduados, historiadores, artistas, colaboradores[2]. Hoy en día hay revistas que han logrado un capital simbólico muy alto y que un/a artista aparezca en la portada de una de ellas la/lo coloca en una situación con un alto capital simbólico quizás tanto como el de la propia revista.
Otro actante, de los más importantes (creo yo), son los Premios. Estos dan a la obra de arte y a la/al artista una visibilidad tanto como del que ofrece el Premio, siendo el capital simbólico acumulable para la/el artista y para la obra de arte, así como un incremento en el valor de esta última, incremento del capital económico. Thornton (2008) llega a afirmar que los premios que otorga Turner, pueden incrementar en un tercio las obras seleccionadas, y la obra ganadora doblar su precio[3].
Agencias de publicidad, es un actante que juega distintos roles en función del encargo que se le ha encomendado, incluso puede jugar el papel de consumidor, ya que puede comprar o encargar arte para ser usada en alguna campaña que tenga sobre la mesa. También puede contratar “artistas” para su departamento de creatividad, diseño y/o producción. Estas agencias son contratadas por galeristas, Ferias, Bienales, Museos, revistas de arte, artistas, donde su labor se encuentra en la de ayudar a promocionar una obra de arte, un evento, un artista, un museo. Encargándose de la comunicación, escrita, oral, visual, y/o digital.
Los Premios, en muchos casos es la puerta de entrada a muchas/os artistas, y en España se hacen muchos[4]. También los hay a nivel mundial y con premios en metálico de mucho dinero.
III.- CONCLUSIONES
El mapear el Sistema (o ecosistema) del arte, entendido éste como ambientes donde se produce, distribuye y comercializa, y consume arte, es un proceso que permite simplificar un entramado interconectado y muy complejo en el que los diversos actantes se pueden ver e intuir su grado de influencia y su posición y nivel de dominancia.
Mencionar también que aunque la/el artista y la obra de arte es la célula que da vida a este Mundo – el del arte – estos se diluyen en influencia y dominancia conforme se va adentrando en este intrincado mundo. Se ha de mencionar que la producción de arte tiene muchos formatos y que el digital empieza a propagarse de manera constante siendo así que la enseñanza de aquella se hace en los distintos ámbitos y empieza a ser una opción para el mundo del arte la creación digital y la venta de estas piezas, que en su momento son exclusivas o digamos “primera copia”.
Hablar de arte efímero, de performance, de NFT[5] (unidad no fungible), de arte inmaterial, son algunos de los elementos que se integran en este Mundo del Arte, y que han venido a quedarse y seguro vendrán más.
Finalmente he decidido usar un fondo especial, en este caso es el de la vía láctea, que marca miles de estrellas. Que en nuestro caso son aquellos actantes que son efímeros o circunstanciales o que aparecen en determinados momentos, como por ejemplo: el catering de un “vernissage”, pintores para preparar la sala de exposición, el personal que te sirve el “café” cada mañana, la/el vendedora de la prensa, la familia, las/os amigas/os, la diseñadora gráfica que maqueta el tríptico de la exposición, y así miles.
____________________________________________________________________________
[1] Katie Paterson (2015). Diagrama de Candle (from Earth into a Black Hole). Fuente: http://www.inglebygallery.com//wp-content/gallery/katie-paterson/katie_paterson_candle_schematic-drawing_2015_web.jpg, consultado el 21-09-2021.
[2] Sarah Thornton (2008), página 134.
[3] Idem, página 122.
[4] Los concursos de arte más prestigiosos de España. https://www.mundoarti.com/magazine/noticia/los-concursos-de-arte-mas-prestigiosos-de-espana/, consultado el 25-09-2021.
[5] “El arte y el entorno digital viven una revolución inesperada provocada por los ya famosos NFT (unidad no fungible, un ítem digital único). Y si algún amigo no te ha hablado aún de ello, estás a punto de familiarizarte con ellos. Pero para entendernos: los NFT son una garantía que convierte cualquier activo digital (desde una obra de arte a un tuit, pasando por una columna periodística) en algo digno de ser coleccionado, adquirido, subastado o comprado. De este modo hay subastas millonarias por obras exclusivas que solo existen en el entorno digital y que muchos podemos ver pero que, a partir de ahora, solo uno podrá poseer”. En El País (19-05-2021) Impacto medioambiental, dinero no regulado y activos de inversión de “alto riesgo”: el reto de España frente a los NFT. https://elpais.com/icon-design/arte/2021-05-19/impacto-medioambiental-dinero-no-regulado-y-activos-de-inversion-de-alto-riesgo-el-reto-de-espana-frente-a-los-nft.html consultado el 25-09-2021.
Referencias.
- Becker, Howard. (2008). Mundos del arte y actividad colectiva. En: Los mundos del arte. Sociología del trabajo artístico. pp. 17-59. Bernal: Universidad Nacional de Quilmes.
- Pérez-Calero Sánchez, Leticia A. (2011). “Mercado del arte e intermediarios : una perspectiva actual”. Grupo de Investigación CEAC (HUM 747), Junta de Andalucía, España. Pág. 14.
- Thornton, Sarah. (2008). “Seven days in the Art World”. W. W. Norton & Company, Inc., New York. Pág. 230.
- Walder, Pau (s.f.). “El sector de las artes plásticas y visuales”, Barcelona. Documento pdf. Pág.94.
ANEXOS
Bocetos iniciales
Top 10 Biggest & Most Important Art Awards & Prizes[1]
1.- American Art Awards.
2.- Art Prize.
3.- Bucksbaum Award.
4.- Future Generation Art Prize.
5.- Hugo Boss Prize.
6.- Marcel Duchamp Prize.
7.- Maxmara Art Prize for Women in Collaboration with The Whitechapel.
9.- Praemium Imperiale.
10.- Roswitha Haftmann Prize.
11.- Turner Prize.
[1] https://www.theinternationalman.com/art-awards.php consultado 29-09-2021.
Actantes en el área de Producción.
Actantes en el área de Distribución y Comercialización.
Actantes en el área de Consumo.
Nodos del Mundo del Arte.
Relaciones bilaterales o de influencia de los actantes.
Pública Las obras de arte a exponer son las siguientes:
[2] https://www.google.com/search?q=Ana+Teresa+Barboza&sca_esv=e11a3816d0bf0ea3&sca_upv=1&rlz=1C5CHFA_enES813ES813&biw=1137&bih=603&sxsrf=ACQVn0_YiM5XsQmrCP97BLFpzjzgLIrcuw%3A1712598748573&ei=3C4UZsbFIdmO9u8P9oi6-AE&ved=0ahUKEwjGo7PAl7OFAxVZh_0HHXaEDh8Q4dUDCBA&uact=5&oq=Ana+Teresa+Barboza&gs_lp=Egxnd3Mtd2l6LXNlcnAiEkFuYSBUZXJlc2EgQmFyYm96YTIFEC4YgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyFBAuGIAEGJcFGNwEGN4EGOAE2AEBSJ4eUKQMWKQMcAF4AZABAJgBswGgAbMBqgEDMC4xuAEDyAEA-AEB-AECmAICoALJAagCCsICBxAjGOoCGCeYAwq6BgYIARABGBSSBwMxLjGgB4MI&sclient=gws-wiz-serp
[3] https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/arte_internacional/20050519/adriana-varejao/10499622_0.html
[4] https://uvuvuv.com/es/artist/z-amalia-pica-3/
Pública ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS ARTISTAS.
| Artista | Técnica | Narrativa |
| Sofía Montenegro | Fotografía, sonido, performance y la instalación | identidad, la memoria y la historia personal y colectiva |
| Ana Teresa Barboza | arte textil | Identidad, relaciones humanas, la intimidad y la vulnerabilidad |
| Adriana Varejão | pintura, escultura e instalación | Identidad y legado colonial |
| Amalia Pica | performance, escultura e instalación | Relacionamos unos con otros y con nuestro entorno |
Un análisis cruzado de coincidencias y diferencias sería el siguiente:
Con lo cual las cuatro tienen una narrativa común.
Pública Hay varios espacios que en estos momentos se me ocurren donde se podría realizar la exposición. A continuación muestro estos:
| TIpo | Lugar | Razonamiento |
Score |
| MUSEOS | Museo Reina Sofía (Madrid) | reputación internacional y su experiencia en la presentación de exposiciones innovadoras podrían brindar un contexto sólido para la exhibición |
2 |
| MACBA (Barcelona) | proporcionaría un entorno estimulante para la exploración de temas complejos |
3 |
|
| Centros de Arte | Centro de Arte Contemporáneo de Málaga | espacio acogedor y accesible para el diálogo sobre la identidad en el mundo actual. |
5 |
| Residencias | Hangar – Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales (Barcelona) | brinda apoyo a proyectos artísticos experimentales y colaborativos, proporcionando espacio y recursos para que los artistas desarrollen su trabajo. |
1 |
| Matadero Madrid (Madrid) | alberga residencias artísticas, exposiciones, eventos y actividades relacionadas con diversas disciplinas artísticas |
4 |
Notas.- El score propuesto es subjetivo, y pensado desde el punto de vista de la facilidad para realizar este tipo de exhibición. Trámites burocráticos y probabilidad de éxito. Se han excluido las galerías por tener una gran cantidad de estas que habría que hacer una investigación más profunda y con más tiempo.
También se podría pensar en lugares a nivel internacional. Por ejemplo: Tate Modern (Londres, Reino Unido), Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, Estados Unidos), Centre Pompidou (París, Francia). Son unos de mis museos favoritos, pero desconozco los procedimientos que hay que realizar para poder montar una exhibición como la que estamos pensando.
Pública - Investigación y Selección de Artistas:
Al investigar a Sofía Montenegro, su estilo artístico, obras, técnicas, temáticas y su contexto. La búsqueda de los peers debería centrarse en artistas que tienen el arte contextual como background para su producción artista. En ellas se pueden detectar instalaciones, sonido, luz, elementos naturales o artificiales. Donde, también, el público pueda participar en la misma.
2. Investigación y Selección de Artistas
Una primera investigación de posibles artistas que compartan espacio para una exposición podría ser:
- Olafur Eliasson: realiza principalmente instalaciones que exploran la observación, el movimiento y la luz. Sus obras incorporan elementos naturales, como agua y aire, y buscan involucrar al público. Sitio web oficial: https://olafureliasson.net/
- Rafael Lozano-Hemmer: Este artista mexicano-canadiense crea instalaciones interactivas que utilizan tecnología para permitir que el público participe y finalmente controle la obra. Sus piezas exploran temas como la vigilancia, la memoria y la relación entre el individuo y el entorno urbano. Sitio web oficial: https://www.lozano-hemmer.com/
- Anish Kapoor: Famoso por sus esculturas monumentales que desafían a los espectadores sus percepciones y la gravedad. Sus obras, creadas con superficies reflectantes y curvas, invitan al público a interactuar y explorar su relación con el espacio y el tiempo. Sitio web oficial: https://anishkapoor.com/
- Tomas Saraceno: Conocido por sus instalaciones que exploran la arquitectura y la ecología, Saraceno crea estructuras inflables y redes suspendidas que desafían la percepción tradicional del espacio. Sus obras invitan al público a caminar, saltar o incluso volar dentro de ellas. La galería que lo representa: https://www.tanyabonakdargallery.com/
Al analizar su biografía encuentro que no son contemporáneos con Sofía. Son personas mayores por mínimo 10 años o más. Con una dilata experiencia y exposiciones internacionales, las que de una u otra manera «opacarían» el arte de Sofía.
Así que realizo una nueva investigación con artistas latinoamericanos con impacto internacional y artistas contextuales, también. Y esta sería la lista:
- Ana Teresa Barboza (Perú): es una artista textil contemporánea que crea obras intrincadas y detalladas que fusionan bordado, tejido y otros medios para explorar temas como la identidad, la naturaleza y la memoria.
- Adriana Varejão (Brasil): Conocida por sus pinturas e instalaciones que exploran la historia colonial de Brasil y las culturas híbridas resultantes de la mezcla de razas y tradiciones, Varejão crea obras que cuestionan la identidad y el poder.
- Doris Salcedo (Colombia): es una escultora y artista conceptual cuya obra se centra en la memoria, el duelo y la violencia política. Sus instalaciones a menudo utilizan materiales cotidianos y objetos encontrados para abordar cuestiones sociales y políticas.
- Teresa Margolles (México): es una artista conceptual cuyo trabajo se basa en la investigación de la violencia y el trauma en América Latina. Sus instalaciones y obras participativas reflexionan sobre la muerte y la desaparición, así como sobre la fragilidad del cuerpo humano.
- Amalia Pica (Argentina): es una artista visual cuya obra se centra en la comunicación, la interacción y la participación. A menudo utiliza elementos como la performance, la escultura y la fotografía para explorar cómo nos relacionamos unos con otros y con nuestro entorno.
Esta lista de artistas estaría más cercana a Sofía, la gran mayoría se enfoca en temas identitarios y contextuales.
Pública 1.- STATEMENT
Llevo tres años estudiando arte en la UOC, y cada asignatura es y ha sido una entrada a mundos desconocidos y trascendentes. La performance y sobre todo el arte contextual me ha generado una reflexión profunda acerca de mi arte y del arte. En el sentido de la utilidad y la necesidad de una comunicación permanente con el estado actual de las cosas y de las personas (nuestro contexto). Que en estas últimas movemos no solo la satisfacción o el placer inmediato durante la contemplación de una obra de arte, sino, la de activar el pensamiento y empujar a la acción. Convirtiendo tu arte en movimiento constante para cualquier persona que la contemple.
Estoy muy sensibilizado por los sucesos de las guerras de nuestros días, ya que el haber comprendido que la evolución de la humanidad ha transitado por ellas, y de que a la fecha no hayamos encontrado otra manera de solucionar las diferencias, me hunde el pensamiento. Cada día tenemos más conocimiento, estamos en la era del nacimiento de la Inteligencia artificial, pero no hemos sido capaces de aplacar la ira de la humanidad.
Soy un ferviente seguidor del arte desde los años 90’s, en todas sus disciplinas, y he dedicado tiempo a nutrirme de ella en diferentes países de oriente y occidente. Nací en Lima, viví allí 28 años, aprendí que los Incas eran muy hábiles en el “arte de la guerra”, y que su manera de expandir su territorio era aliándose y mezclando las familias “dirigentes” de ambas partes. Estudié, también, que la forma de ganarle al enemigo era, haciéndole caer el casco o sombrero, entendiendo que ese suceso bastaba para rendirse… luego “aprendieron” que ganabas una guerra hasta “matar” al oponente.
Hace no más de un año descubrí la escultura invisible, la que se enfoca en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento. Y creo, es también un desplazamiento hacia el arte contextual, donde nos desplazamos de lo etéreo e inexistente directamente a nuestro mente.
Es este el contexto que influye la creación que me ha seducido para avanzar en mi arte y en esta asignatura.
2.- BIOGRAFÍA
Nací en Lima (Perú) y vivo en Barcelona hace 36 años. Soy ingeniero economista de profesión, y me inicié en el mundo del arte en 1992. He desarrollado mi arte de forma autodidacta, adquiriendo numerosos libros, además de visitar los museos más emblemáticos de Europa, Estados Unidos, Sudamérica, China y Japón.
En cuanto al estilo tengo que decir que he pasado por varios, principalmente por el proceso de aprendizaje y experimentación. Empiezo una etapa muy colorida, donde hago diez óleos de islas griegas (Mykonos, Creta, Santorini). Tengo un periodo dedicado a Miguel Ángel donde utilizo pastel, carboncillo y óleo; me enfoco en las figuras relevantes de la Capilla Sixtina. Viajo por los mundos de Vincent Van Gogh, a quien dedico años de investigación sobre su vida, su técnica, las ciudades francesas (belgas) donde vivió y murió. He ejecutado varias copias de sus cuadros más conocidos, con los que logré acercarme a su mundo del color y la fuerza de sus pinceladas.
Kandinsky ocupa mi tiempo durante un año, con dibujos inspirados en su arte. Hago copias e interpretaciones de sus pinturas. Su mundo geométrico me seduce y me introduce en un lenguaje rico e interminable. Rembrandt ha ocupado mi formación artística en 2019, así como con clases semestrales en una “Academia” de arte en Barcelona.
Paralelamente, la fotografía es mi compañera inseparable, en mis viajes, mi vida diaria y en mis pinturas. En los últimos 35 años he ido cambiando los escenarios, siendo el mes de diciembre de 2022, mi última sesión de fotos de personas autóctonas en Arequipa-Perú. Y los atardeceres del Océano Pacífico este pasado mes de enero del 2024.
Tanto en mi dibujo-pintura como en mi fotografía las personas juegan un papel fundamental. Como documento de vida, expresión de «sentimientos», deseos y sueños. Los paisajes también, y principalmente el mar.
Hice mi primera exposición individual en el año 2000.
3.- ABSTRACT – DOS PROPUESTAS.
En el transcurso de este semestre me estoy enfocando en las intervenciones públicas pero con objetivo de desplazamiento de estas al pensamiento y quizás a la acción.
1.- La primera intervención “pública” que propongo es el de realizar una especie de performance en un colegio y la otra en un aeropuerto. Con el objeto de concientizar a las personas del riesgo de tener una guerra y sufrir ataques en esos lugares. Y que estos lugares estén llenos de niñas y niños sufriendo las consecuencias de estos ataques.
Esta intervención pretende poner en evidencia el riesgo de guerra en el que estamos, y que las imágenes que vemos en los medios de difusión puedan llegar a suceder en los mismos lugares donde habitamos.
Situación que poca gente lo hace, pero si lo comentas, hay una reacción y un mimetismo con las personas que sufren en estos momentos estos ataques.
Colocar en la salas Vip de los aeropuertos, muñecas, muñecos bebés, salpicados de acrílico rojo.
Colocar delante de las puertas de entrada a los colegios muñecas, muñecos bebés, salpicados de acrílico rojo. Esta es una de las situaciones más comunes en los “teatros de operaciones” de las guerras. Ya que la estrategia de los soldados en guerra es el de utilizar los lugares públicos y llenos de civiles, para refugiarse, “suponiendo” que estos lugares no serán atacados.
A saber, colegios, hospitales, iglesias.
2.- La segunda propuesta es la de erigir una escultura invisible con títulos relacionados con un bombardeo en ése lugar. Con lo cual solo hay que colocar un atril con el título de la obra. Siendo el autor anónimo. Como por ejemplo: ver figura a continuación.
Hay varios temas a comentar, el título, es una bomba incendiaria muy utilizada en las actuales guerras, producida por los EEUU de NA.
El autor, creo, no hace falta, así como los muertos que visualizamos en nuestro pensamiento son desconocidos, en este caso también.
El espacio que sea suficiente para dejar que nuestro pensamiento visualice el bombardeo. También lo podríamos extender a 50-100 m2, que es la onda expansiva básica de una de estas bombas, y colocarlo entre edificios y lugares públicos de interés.
La mención de la posibilidad de ser copiado y replicado, levanta el copyright y permite la viralización y la apropiación masiva de la misma.
4.- IMÁGENES
Primera propuesta – Teatro de Operaciones
Segunda propuesta – Escultura Inmaterial
5.- COMPARATIVA
Ambas dos recrean escenarios de guerra imaginarios pero potencialmente posibles, en un caso más evidente y en el segundo materializa la imagen en el pensamiento.
En ambos la crítica está presente, Por ejemplo, en el primer caso, inicialmente vendría la crítica enfocada en la posible manipulación de las imágenes en un lugar público y muy probablemente transitado por niñas/os, generando rechazo. Para luego, quizás, reconocer que lo visualizado es una situación real en un país en guerra, que aunque no se esté en esa situación es “posible”; y a continuación pensar ¿si esta escena se convirtiera en real?, para finalmente concluir, ¿qué he de hacer para evitar este posible escenario?.
En el caso de la escultura invisible, la primera crítica vendría de cuestionar ¿por qué la “nada” es o puede ser arte?, ¿dónde está la imagen?, ¿dónde está lo evidente?, para después generarlas en la mente, en el pensamiento, y crear tus propias interpretaciones, basadas por tu contexto personal (actual, pasado).
Se pone en evidencia que en los potenciales proyectos, estos parten de la crítica de la obra, per sé, para después desplazarse a una generación de ideas, totalmente personales, y múltiples. Muy probablemente, en la primera propuesta, el primer pensamiento coincida en la mayoría de las contempladoras. Para la segunda, no estoy del todo convencido que el primer pensamiento coincida.
En ambos casos no estoy seguro que la evolución del pensamiento llegue a lo esperado y se quede en la crítica. Seguro que no será el 100%, mi duda está en cuál de ambos casos la evolución del pensamiento llegue a la conclusión de que cualquier lugar en el planeta tiene el “peligro” de sufrir las consecuencias de una guerra. Quizás en el primer caso, la furia generada como primera impresión obnubile el pensamiento, y se pase a la defensa de lo chocante de las imágenes para las/los viandantes. En la segunda, la crítica referente a algo inmaterial se considere arte, puede ser efímero y finalmente se concentre en el mensaje y despierte el pensamiento y la crítica al sin sentido de las guerras y a las víctimas de ellas. Principalmente, las niñas, los niños.
Pública “Escultura Invisible en memoria de las niñas y los niños asesinados en las guerras”, Barcelona. 27-03-2024.
Pública Al investigar los espacios en los que Sandra Montenegro utiliza para actuar y habitar los espacios, encontramos elementos persistentes, utiliza los espacios donde realiza sus «residencias», y aprovecha los elementos físicos que suceden, viento, ruido, luz, sombras, y, fundamentalmente invita al público a pensar, meditar, escarbar, en sus mentes, en sus vivencias, creando contextos personales nuevos.
También cabe mencionar que las artistas que comparten residencia transitan por los mismos contextos y aprovechan y habitan los lugares, interpretando a su manera, estos. En ocasiones las técnicas son las mismas, pero no necesariamente.
Jugando y conjugando lo que vemos y lo que entendemos. no todo lo que se ve se siente, y todo lo contrario.
Pública Respecto al momento histórico, podemos encontrar dos de los artistas con los que comparte los Proyectos seleccionados este 2024: Espai Capella. Las tres son residentes de Hangar, intuyo es su punto de conexión y también de distanciamiento, ya que, transitan por recursos similares, el contexto, el uso de aparataje, pero enfocándose en este «espacio» con recursos diferentes. Aunque Sofía, transita por las técnicas de sus «peers» y las usa combinadas.
En su background conceptual, tengo la impresión de que sus diversas «residencias» han esculpido su producción artística; y que el intercambio «constante» que logras en este tipo de residencias, ayuda a aprender de otras y de apropiarse, también, de lo que sea preciso para lograr el nivel de expresión deseado.
PEERS
Michael Lawton. También como Sofía Montenegro, este artista ha realizado residencias, y probablemente coincidido en ellas, y se encuentran como artistas seleccionados en Barcelona, PRODUCCIÓ 2023-24: EXPOSICIÓN INDIVIDUAL ESPAI CAPELLA. Eso sí, Michael trabaja con imágenes, tomadas de la vida real, desplazándolas e interpretándolas en contextos diferentes.
» Lawton se trasladó a Barcelona en 2017. Desde entonces ha completado residencias en Hangar y en el Centro de Estudios y Documentación del MACBA, y comenzó una larga residencia en La Escocesa, que todavía está en curso. El año pasado expuso individualmente Cangles en la Fundación Arranz Bravo y este año La piedra ritual de Collserola en el Centro de Arte Maristany. También ha participado recientemente en las siguientes exposiciones colectivas: Seeing, Feeling, Forgetting, en la APT Gallery (Londres); Al alcance, en la galería Dilalica (Barcelona), y Aliento, en la galería Nogueras Blanchard (Barcelona).» https://www.lacapella.barcelona/es/te-recuerdo-de-una-vida-futura.
Valentina Alvarado y Carlos Vásquez. Ellos coinciden, también, con Sofía Montenegro y Michael Lawton en la Exposición Individual Esai Capella. Investigan en el campo de la imagen mediante dispositivos fílmicos, y coinciden con Sofía en el uso de «instalaciones» (Y si ver era el fuego), y también performance: Echo Chamber. Y residentes en Hangar.
Trabajo de Sofía en el Espai Capella
En este trabajo la artista «continúa» con su relato, en una instalación, utilizando los componentes de esta, la atmósfera, y el pensamiento de las personas que participan en ese momento de la muestra. Y se podrá visitar del 30 de abril al 7 de julio de 2024.
«Maquinal es un movimiento que se produce de manera automática o involuntaria, un proyecto expositivo para mediar la mirada y la percepción de La Capella con el fin de que operen de otra manera. El espacio se tratará como un plano fílmico en el que irán sucediéndose una serie de escenas. Ahora estamos en el exterior, al aire libre. Son las múltiples capas de realidad que tienen lugar de manera simultánea. Las vemos cada día, pero siempre son diferentes a las anteriores. El proceso será conducido por esta pregunta: ¿qué separación hay entre lo que vemos y lo que imaginamos?». https://www.lacapella.barcelona/es/maquinal
Pública Sofia Montenegro desarrolla su trabajo entre el sonido, la imagen, el texto, la mediación y las escénicas. Con lo cual utiliza imagen, sonido, texto y prácticas performativas.
BIOGRAFÍA
«El seu treball s’ha destacat per la creació d’instal·lacions multimèdia, performances i obres audiovisuals que exploren la convergència entre diferents mitjans artístics». Wikipedia: https://ca.wikipedia.org/wiki/Sof%C3%ADa_Montenegro
PROYECTOS SELECCIONADOS BARCELONA PRODUCCIÓ 2023-24: EXPOSICIÓN INDIVIDUAL ESPAI CAPELLA
Michael Lawton, Te recuerdo de una vida futura
Valentina Alvarado y Carlos Vásquez, el otro aquí
Sofía Montenegro, Maquinal
https://www.lacapella.barcelona/es/proyectos-seleccionados-barcelona-produccio-2023-24
TRABAJOS
En su trabajo Relámpago: Agitar con fuerza (fruto de su residencia en el MACBA) prueba estrategias de simulación sonora para transformar la percepción de lo que se observa, resultado de su deseo de explorar la forma en la que se construyen la ficción y el artificio en el cine para aplicarlos a un espacio real.
En su trabajo Venir y ver. «es una pieza de sonido para escuchar mirando una ventana, que en esta ocasión sucederá en un espacio a oscuras.» https://cultura.cervantes.es/budapest/es/Procesos:-De-N-a-S-y-de-E-a-W—Sof%C3%ADa-Montenegro/164387.
En su trabajo Hangar “Mover el viento “. «Es una instalación que hace visible lo invisible. Compuesta por luces y sonidos vinculados a las funciones y las acciones de las puertas y ventanas del edificio de Hangar. Mediante un sistema de sensores de movimiento, la circulación de aire que cruza el edificio, al ser habitado y vivido, se traslada a una experiencia sensorial»
Pública Tal como se describe en la Actividad 1, en la segunda fase, «Llevar el terreno al gabinete», hemos de proponer un contexto a partir del cual desarrollaremos el proyecto. Así no «exista».
Con lo que tenemos que focalizar el entorno (relevante y atractivo). Yo, personalmente, estoy mentalmente contextualizado por varios temas, por mencionar uno: las guerras y el daño a la niñez causada por estas, hoy vemos en los medios de «información» (o desinformación) y nos «mueve» y conmueve (creo yo) al mundo «entero». El contexto es mundial, y exageradamente manipulado. Pero podemos desplazar en el espacio y tiempo, lo que sucedió en España, hace unos años o hace 89 años. Bombas en trenes (11M-Madrid), bombas en ciudades (1936-Guernica). Población civil y no en «guerra».
Creo que ayer (16-03-2024) se ha movilizado la comunidad rusa en Barcelona, pidiendo la salida del actual presidente de ese país. Tengo más ejemplos de ciudadanos/amigos que tienen vergüenza ajena por los actos de sus gobernantes y/o líderes…
Si la mayoría de los ciudadanos del mundo no queremos ni pretendemos las guerras, como es que los mecanismos de poder nos llevan a ellas….
Así mismo reflexiono, ¿cómo es posible que cuando se gana un mundial de futbol o similar, se inundan las calles de personas para celebrarlo?….
El entorno de mi proyecto es cualquier lugar, cualquier escuela, cualquier universidad, cualquier hospital, en cualquier país, de cualquier religión.
Intervenir cualquier lugar, hacerlo participativo, viral, mental, arriesgado. Este proyecto tiene más componentes invisibles, a pesar de que la lógica te dice que está en todas partes. Y me viene a la memoria, la escultura invisible de Salvatore Garau(3). Donde pone a trabajar el pensamiento de quien contempla la «obra de arte».
Después de escribir los párrafos anteriores, me doy cuenta que es inmaterial o ubicuo mi contexto. Ello debe ser consecuencia de que aún no «materializo» lo que me afecta y lo que quiero afectar. Intuyo que algún comentario de las compañeras o de la profesora, me conducirá a concretizar.
Es cierto, que en determinado momento, he visualizado una escuela de parvulos, que desplazándola al contexto de guerra, me proporcionaría algo físico, material; y que los familiares que recogen a las niñas, pueden ser partícipes… Que se armaría un revuelo de dimensiones «infinitas» si mencionara que pretendo «simular» un escenario de guerra en ese lugar. Solo de pensarlo me violenta. No creo que logre el objetivo de sensibilizar y movilizar por la pacificación. Sino, todo lo contrario. Entraremos en la discusión si ello es arte, es manipulación, etc.
También he pensado acerca «del viaje del juguete perdido», donde visualizo niñas con armas de guerra jugando en el patio de la escuela. En el mundo imaginario de una niña en guerra, muy probablemente el «juego» es matar al enemigo. Cuando tenga 20, 30 años, ¿seguirá jugando?.
Seguimos.
Notas.-
(3) Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].
[1] Gómez Fuentes, Ángel. (01/06/2021 10:38h). “Un artista vende por 15.000 euros una escultura inmaterial, invisible, que no existe”. https://www.abc.es/cultura/arte/abci-artista-vende-15000-euros-escultura-inmaterial-invisible-no-existe-202105281941_video.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F, consultado 11-04-2023..
[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.