Interacción e interactividad - Aula 1

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Análisis Crítico de las Interfaces en «Protagonismo de las Pantallas en la Vida Cotidiana»

La propuesta de observación presentada en la R1 analizaba la omnipresencia de las pantallas en la vida cotidiana. Ahora y desde una mirada crítica, relaciono esas interfaces con diferentes aproximaciones de análisis:

1. Análisis Formal (Subversión de Principios de Diseño)

• Pantallas táctiles en coches: La interacción con estas interfaces mientras se conduce puede subvertir el principio de seguridad en diseño de interacción. La necesidad de apartar la vista de la carretera plantea un problema de usabilidad y “seguridad vial”. Aunque puede ser cubierto por los sistemas autónomos de seguridad de coches de última generación.
• Ascensores con pantallas informativas: El uso de pantallas en ascensores introduce un diseño que interrumpe la experiencia tradicional del usuario, incorporando información que podría generar distracción innecesaria en espacios de tránsito. Así también como en los ascensores, o paradas de Metro, dentro del Metro, Buses, Trenes, aviones, otros.
• Monederos electrónicos: La digitalización del pago elimina la necesidad del dinero físico, pero excluye a quienes no tienen acceso a dispositivos móviles o no están familiarizados con la tecnología, sea por una razón de edad, estrato social, limitaciones sensoriales.
• Pantalla de TV: Diseño persuasivo, con diversos algoritmos que maximizan el tiempo de visualización, siendo en la sociedad occidental, un uso promedio de 5 a 8 horas diarias. .
• El uso de múltiples pantallas simultáneamente (pago digital + escaneo de apps): automatización extrema de la acción de compra, eliminando contacto personas.

2. Análisis Conceptual (Impacto Social, Político y Ambiental)

• Pantallas de TV en el hogar: Relacionadas con la economía de la atención, las interfaces de televisión están diseñadas para maximizar el tiempo de permanencia de los usuarios, muchas veces utilizando algoritmos persuasivos para lograrlo.
• Pantallas en ascensores con información política/mundial: Este tipo de interfaces “pueden” influir en la opinión pública de forma sutil y dirigida, ya que el contenido mostrado no es seleccionado por el usuario, sino por quienes “gestionan” la información. Es más no se puede “evitar” el verlo y/o escucharlo.
• Monederos electrónicos: Reflejan una transformación en la economía que podría excluir a ciertos sectores de la población, especialmente personas mayores o con menos acceso a la tecnología.
• Pantalla de TV: promueven un consumo “pasivo” de contenido, estructurado por franjas horarias según el público presente/objetivo.
• Uso de múltiples pantallas simultáneamente (Pago digital + escaneo de apps): concentra el poder en muy pocas plataformas digitales que recopilan datos de comportamiento del usuario, y que más tarde se comercializan a terceros (a pesar de existir leyes de protección de información personal). Dejando al descubierto al usuario, y que también puede ser aprovechado por la delincuencia “digital”.

3. Análisis Metodológico (Otros Enfoques Teóricos)

• Pantallas táctiles en coches: Fomenta el uso de interfaces en el transporte sin considerar accesibilidad tradicional/manual/racional/sensorial. Todo ello anulado por las distintas ofertas digitales, como por ejemplo: salto de línea contínua/discontínua, falta de atención al volante, uso de una sola mano en el volante, frenado para evitar colisión, otros.
• El uso de múltiples pantallas simultáneamente (pago digital + escaneo de apps): Se puede analizar desde la perspectiva de la hiperconectividad y la reducción de la interacción humana. ¿Hasta qué punto estas interfaces automatizan procesos pero reducen el contacto social?
• Automatización de la vida cotidiana: La observación destaca cómo la presencia de interfaces es constante, pero ¿qué ocurre con la autonomía del usuario? ¿Se diseñan estas interfaces para facilitar la vida o para fomentar una mayor dependencia tecnológica?
• Pantalla de TV: reducen el tiempo de descanso y empujan al sedentarismo.
• Uso de múltiples pantallas simultáneamente (Pago digital + escaneo de apps): una hiperconectividad, aísla a las personas, ya que aleja el contacto entre personas, y se concentra en una interacción usuario interface.

Todo lo anteriormente analizado también se puede realizar desde el punto de vista como hecho Cultural, coincidiendo en todas ellas, una tendencia a digitalizar a las sociedades, inicialmente, urbanas. Trasladando la interacción humana, hacia la de usuario-interface, cambiando de manera progresiva la manera como el ser humano socializa (dónde, cómo, y cuándo). Siendo las zonas rurales menos afectadas y/o influidas, pero no ajenas a este cambio socio-cultural. Donde incluso las personas que trabajan en el campo están siendo acosadas por las nuevas tecnologías tales como los analizadores de las tierras usando drones, y ya no más la experiencia ancestral de la manera como se cultivaba el campo. Esto no sé si es equitativo, sostenible y socialmente viable, pero viajar en servicio público, entrar a restaurantes o al  caminar por las calles, encontramos una imagen recurrente, que es la de personas “mirando/interactuando” con pantallas. Tampoco olvidemos que, si caminamos por las calles y observamos con detenimiento nuestro alrededor, y descubrimos cientos de pantallas, “siguiéndonos”… porqué, para qué, sin nuestro permiso, sin nuestro conocimiento. ¿Todo ello trasgrede nuestras “libertades”? Pues, sí, pero ¿nadie “puede” hacer nada?, parece ser que no.

Taller de arte sonoro - Aula 2

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Copas de Vino con Agua, Harry Potter

Ubicación y Fecha de Registro:

Madrid, 8 de junio 2024, 11:34, delante del Palacio Real. Visitando los Tesoros Reales.

1. Elementos Funcionales según el esquema Baschet

•  Elemento oscilador: Materia y Forma

Quedé gratamente impresionado por la “musicalidad” del sonido, generado por la fricción del dedo húmedo contra el borde de las copas. Lo que ahora entiendo como una inducción de las vibraciones en el vidrio, conviertiendo la copa en un oscilador, capaz de generar ondas sonoras. La materia (vidrio, supongo que si fuera de Bohemia sonaría aún más claro) y su forma (curva y cerrada) favorecen la propagación de las ondas.

•  Activación

El roce del dedo sobre el borde de la copa es el que activa/genera una vibración sostenida. La cantidad de agua en el interior de cada una de las copas modifica la frecuencia (¿nota musical?) del sonido, haciendo que cada copa vibre a distintas frecuencias. En este caso, la copa actúa como un sistema sinarmónico. Pero donde la cantidad de agua define uno en concreto, y esperado.

• Difusión del sonido / Radiación

La copa, al vibrar, transmite el sonido a través del aire de manera omnidireccional, lo que permite una difusión sin altavoz o caja de resonancia adicional. La sonoridad se expande en el espacio, creando un ambiente envolvente.

• Tono y Gama Sonora

La cantidad de agua presente dentro de la copa define el tono que emite:

• • Los tonos agudos se logran con poca agua.
  • Y los más graves con mayor cantidad.
    Generando una escala de tonos, según el nivel de agua en cada copa.

• Modificación del Sonido: Filtros y Resonancias

El sonido de la copa es afectado por varios factores que funcionan como filtros modificadores:

• Forma del recipiente: Copas más delgadas producen sonidos más nítidos, mientras que copas gruesas tienden a generar resonancias más complejas. Intuyo, también, que dependiendo de lo largo y ancho de la misma, afectará el resultado final.
• Cantidad de agua: determina el timbre, ya que introduce un mayor o menor número de oscilaciones en el vidrio.
• Presión del dedo: Un roce más fuerte o más suave cambia el colorido sonoro.

2.-  Narrativa Temática en la Escucha

La narrativa temática es la música de la película de Harry Potter.

3.- Conclusión

El sonido generado por las copas de vino con agua nos muestra la posibilidad de crear y/o expresar una narrativa concreta y calculada, utilizando una materialidad  inesperada para interpretar una musicalidad muy estructurada. Un objeto cotidiano transformado en un instrumento sonoro con características acústicas ricas y diversas.

Anexo:

1.- Aquí mostramos la forma de las ondas

2.- Sonido musical

Bibliografia.

Martí Ruiz Carulla, Martí . (2020).  Objecte Sonor. Barcelona. FUOC.

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Naturaleza del Sonido

1.- ESCUCHA Y MANIPULACIÓN

Lamentablemente, no he podido realizar los ejercicios propuestos, ya que me encuentro de viaje, lejos de casa, y sin recursos cercanos para poder realizarlo.  No obstante decir que he tenido una época de rockero, en la que «tocaba» la guitarra clásica y eléctrica. Y entiendo los ejercicios propuestos. Me habría gustado poder mostrarlos con un vídeo, pero no ha sido posible.

2.- MODOS DE OSCILACIÓN ARMÓNICOS

A continuación muestro un vídeo usando recursos encontrados en youtube. Donde se puede apreciar claramente la frecuencia fundamental (modo 1), doblando la frecuencia, y encontrándonos con el primer armónico, con sus nodos y antinódos. Vemos también como las ondas se propagan y extinguen. Vibrando el doble, triple, etc.

Se observa, tambien, cómo se sostiene el cuerpo por las regiones nodales, dándole impulso.

_______________________________

Bibliografia

Ruiz i Carulla, Martí. (2020). Naturaleza del sonido. PID_00269689. UOC.

s.a., s.f.,Standing Wave Demo: Slinky. https://www.youtube.com/watch?v=-k2TuJfNQ9s. Visionado el 2-03-2025.

Taller de arte sonoro - Aula 2

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Presentación y Expectativas en la Asignatura de Arte Sonoro

Mi nombre es David Castro y soy estudiante de Arte en la UOC. Este es mi quinto año, intuyo que en tres semestres habré completado todos los créditos requeridos para graduarme. Me interesa explorar el arte sonoro como una disciplina que amplía los límites de la percepción y la expresión artística. Aunque mi formación ha estado más enfocada en pintura, literatura, poesía, fotografía y vídeo-creación, creo que el sonido tiene un enorme potencial como medio de experimentación y comunicación.

En cuanto a mi experiencia con el mundo del sonido, mi relación ha sido a través de la música (clásica, distintos géneros, etc.). Disfruto de la escucha atenta y de cómo el sonido puede generar sensaciones, atmósferas e incluso narrativas sin necesidad de palabras. También he de decir que tuve mis años de rock, el cual aprendí de manera autodidacta a tocar la guitarra, tanto clásica como eléctrica. Otro de los componentes del sonido que me atrae es cómo los pueblos se expresan y transmiten experiencias, vivencias y expectativas, a través solo del sonido y sin recurrir a elementos visuales en dos o tres dimensiones. Sin embargo, no tengo una formación específica en producción sonora o composición.

Por ahora, el único artista relacionado con la música electrónica y el sonido experimental que conozco es Jean-Michel Jarre. Su trabajo me parece interesante por la forma en que combina tecnología, síntesis sonora y grandes espectáculos audiovisuales. Lo descubro en el año 1980. Me gustaría ampliar mis referencias y conocer otros artistas dentro del arte sonoro a lo largo de la asignatura (intuyo que así será).

Mis expectativas en este curso son comprender mejor las posibilidades del sonido como medio artístico, explorar sus aplicaciones en distintos formatos y aprender herramientas técnicas que me permitan desarrollar proyectos sonoros propios. Me interesa especialmente cómo el sonido interactúa con el espacio y la percepción, así como su potencial narrativo, experimental y sensorial.

Espero que esta asignatura me ayude a expandir mi comprensión del sonido como una forma de arte y a desarrollar una sensibilidad más profunda hacia la escucha, con la aportación del profesorado y l@s compañer@s.

Saludos,

davidcastro

pd.- Os dejo el sonido que hoy me acompaña: Playa Palabritas-Asia-Lima-Perú, 23/02/2025,08:54

FORMATO mp3

Proyecto II - Aula 1

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Título.

“Proyecto artístico invisible: Dejaremos de asesinar a la niñez” relato creativo, David Castro, Barcelona. 23-Junio-2024.

Proyecto II - Aula 1

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Apreciadas compañeras,

Agradeceré vuestros comentarios.

saludos,

davidcastro

Dossier

Proyecto II - Aula 1

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Resumen

En esta 2da. semana, he estructurado las palabras que me «rondaron» en los inicios de mi proyecto.  Y propongo preguntas que me ayudan a explicar y «desarrollar» mi proyecto. Agradecería a mis compañeras y compañeros, que comenten el estado de mi proyecto, y si logro dibujar en sus pensamientos esta «narrativa», contra el daño de las guerras a la niñez. Gracias.

Mi proyecto es una alocución en formato de «entrevista», donde explico y lo «desarrollo».

Entrevista sobre el Proyecto Artístico contra las Guerras y el Daño a la Niñez.

Pregunta 1: ¿Cuál es el propósito principal de tu proyecto artístico en el contexto de las guerras y el daño infligido a la niñez?

Respuesta: Mi propósito principal es reaccionar y no aceptar las guerras como algo «natural». Quiero evitar que estas tragedias se repitan en cualquier lugar del planeta y proyectar la idea de que esto le puede pasar a cualquier persona, familia o comunidad. Identifico a la niñez como la más perjudicada en cualquier conflicto armado y quiero que se entienda que infringir dolor al otro para someterlo a sus deseos es una manera equivocada de resolver disputas. Ya que ello no soluciona el problema, sino, lo perpetúa.

Pregunta 2: ¿Qué papel juega el arte en la sensibilización sobre estos temas?

Respuesta: El arte tiene una consigna respecto a estos hechos y su repetición. La simple contemplación de lo bello no transmite un mensaje de atención al respecto, jugando un papel pasivo y neutro frente a lo evidente. Por eso, busco que los artistas, aquellos que lo son y los que no saben que lo son, con sus talentos evidentes, participen de manera activa en crear ambientes de protesta y reclamo sobre la potencial desaparición de la humanidad.

Pregunta 3: ¿Cómo creas este proyecto y cuáles son los criterios que has utilizado para crear esta obra?

Respuesta: La técnica es libre, no se ajusta a patrones convencionales ni visuales. El porqué de no mostrar imágenes se debe a que cada persona las interpreta según su contexto. Utilizar el color, el gesto, el sonido y la música también puede ser interpretado de maneras diferentes. Habitamos lugares en los que nuestro medio nos ha “formado” conceptos de belleza y ternura, pero con el riesgo de que dos personas interpreten lo mismo de manera contraria. Esto me ha llevado a trabajar con lo invisible para transmitir lo que pretendo, intentando ser muy cuidadoso con las palabras y corriendo el riesgo de ser malinterpretado.

Pretendo que esta entrevista cree imágenes en cada una de las personas que la vean o escuchen, que entiendan por qué no presento algo material. La intención es que generen imágenes perturbadoras en sus propias mentes. Así mismo, me niego a mostrar imágenes de sufrimiento porque pueden ser manipuladas y porque hay una parte de la sociedad que ya está insensibilizada a ellas. Al pensar en imágenes reales, abstractas o cubistas, no llegaría a todas las personas.

Pregunta 4: ¿Qué piensas sobre el uso de la violencia para resolver conflictos y el impacto de esto en la niñez?

Respuesta: Las guerras quitan a la infancia la oportunidad de ser y comportarse como tales, generando un sufrimiento inmenso. Expresarlo en un lienzo o en una performance puede ser otra forma de manipulación. La dulzura de estas criaturas destrozada por una bomba es difícilmente plasmable en tres dimensiones. Además, la industria de la guerra, de la que tantas economías subsisten, intenta acallar estas voces por cualquier medio y, por el momento, lo va logrando. Manipulando lo impensable, perpetúan el ciclo de violencia. Es el gran riesgo de la humanidad, una evolución que puede llegar al punto final de la misma. Devastar es la palabra que se me viene a la mente: eliminar todo ser viviente, y si es posible, futuros también.

Pregunta 5: ¿Cuál es tu postura respecto a las ideologías, religiones o partidos políticos en relación con tu proyecto?

Respuesta: En el proceso de definir qué crear, corro el riesgo de ser interpretado como defensor de una ideología, religión o partido político. Mi posición personal es estar en contra del hecho en sí. Este desarrollo no pretende ser un ataque intelectual contra creencias políticas o religiosas. Mi no pertenencia a bandos me posiciona «contra» ellos a la vez, pero no se trata de alinearse con uno u otro para solucionar el problema. Mi objetivo es activar al público con una interpretación activa de la narrativa expuesta y no dejar que las ideologías desvíen el foco de atención.

Pregunta 6: ¿Cómo pretende tu proyecto enfrentar la manipulación y el uso del arte por parte del poder?

Respuesta: El poder utiliza las artes y a los artistas para mostrarlo y perpetuarlo, o al menos lo intentan. Sin embargo, mi propuesta se posiciona en contra de esa manipulación. Quiero evitar traficar con el dolor y la muerte, y no dejar que el arte sea utilizado de manera deliberada para otros fines. Este proyecto es voluntario y sin presión alguna, sin ánimo de lucro, aconfesional, apolítico, multidisciplinar y sin financiación externa.

Pregunta 7: ¿Qué rol juegan las representaciones invisibles en tu proyecto?

Respuesta: Hace unos meses descubrí un artista que crea esculturas invisibles, luego de haber hablado y discutido acerca de esa aproximación del arte, llego a la conclusión que en este caso, el de presentar una obra que pretenda detener las matanzas de la niñez, esta aproximación del arte me ayuda. Me explico, la invisibilidad de lo material, me lleva a construir de manera gradual y mediante el diálogo, una imagen “personalizada”, o un pensamiento “único”, que es generado por la persona que escuche esta entrevista. En realidad es lo que causa una pintura, una performance, una música; unas “sensaciones” muy personales. Pues, lo mismo para este caso. Y que me permite evitar los “malos” entendidos, o “malas” interpretaciones. No presento nada auditivo, visual o vivencial, presento imágenes en sus pensamientos.

Pregunta 8: ¿Qué esperas lograr con la viralización de este proyecto y la participación del público?

Respuesta: Espero que la viralización de esta propuesta genere un movimiento global que detenga las guerras y deje de matar a las niñas y niños. Quiero empatizar con quienes están sufriendo en estos momentos y hacer que el público entienda la amenaza constante para la humanidad que representa la guerra. No presento nada representacional ni material, sino que he creado imágenes y representaciones en el pensamiento de cada uno de Uds., activando así una interpretación y reacción consciente al daño infligido a la niñez. Ahora es el turno de Uds., actúen, desde ese lugar de donde venimos, para proponer alternativas desde cualquier ámbito del hacer humano.

Proyecto II - Aula 1

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Inicialmente se realizó la planificación del trabajo (cronograma) estimando 6 semanas, pero de acuerdo al calendario de entrega de esta práctica, se ha tenido que reprogramar en función de los días disponibles.  Este avance, el primero, muestra el trabajo desarrollado y disponible hasta la fecha de su publicación. No obstante, en el transcurso del desarrollo del Proyecto, puede sufrir variaciones o alteraciones, por nueva información, o cambio de parecer, razonado por el autor.

Acción: Concreción de la Semilla.

El Proyecto a presentar transcurre en forma de «respuestas» a preguntas de una entrevistadora/r ficticia. Donde de una u otra manera se explican las muchas ideas/palabras que transitan el pensamiento del «artista» al crear esta obra. Las guerras que matan de manera “indiscriminada” a las personas, pero sobre todo a las niñas y niños. Aquellos que construyen (¿destruyen?), su futuro, el futuro de su sociedad de la humanidad. Guerras sin ningún viso de solución, o alternativa, a la resolución de divergencias entre naciones, países, regiones, etnias, religiones, familias.

Como objetivo del proyecto.  La intención de realizar esta entrevista en formato de Performance, es para dar a entender al público los elementos que intervienen en nuestra mente, como artistas, para plasmar y expresar nuestro arte. Finalmente, la “obra inexistente” es la excusa para reflexionar acerca de las guerras y del daño que se infringe a la niñez. Y como una «Reflexión» profunda en el imaginario de las personas. Cada persona que escuche/vea la Performance construirá en su mente la imagen que “desee”, como consecuencia del relato. Materializándose, así la obra a presentar.

Acción: Investigación. Referentes contextuales y teóricos del arte. 

Taller de pintura y color aula 1

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Apreciadas compañeras,

aquí estado «final».

Aunque tengo la «mala» costumbre de nunca dar por terminada una pintura!!!

davidcastro

Taller de pintura y color aula 1

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Apreciadas compañeras,

os adjunto mis primeros pasos en óleo al agua.

me ha costado llegar al dibujo final, sobre todo por ls elipses, que las quería dejar definidas desde un inicio.

hago una apuesta “diferente “, al cubrir el lienzo con un rosa,  para que el cuadro “respire

”, vino.

espero estar a la altura de vuestros trabajos.

Taller de pintura y color aula 1

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 1.1. Realizar un círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.

Preparación de los materiales y dibujo del círculo:

.

Elaboración de la paleta con colores primarios, secundarios y terciarios (mezclas cromáticas sustractivas)

Creación de la escala de valor.  Iluminando  u oscureciendo los colores.

Primero la luminosidad con blanco.

Luego oscureciendo con negro.

Acabo el «primer intento» de círculo cromático, y me doy cuenta de la oscuridad del mismo. Así que decido volver a hacerlo pero esta vez con un «círculo cromático» de guía.

Resultado segundo intento:

Resultado Final:

1.2. Realizar 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación. 

Proceso:

Finalmente he decidio trabajar esta parte con espátulas, ya que el gramaje del papel que estoy utilizando, no ayuda a deslizar el pincel sobre él, con lo cual tengo que cargar más pintura en el pincel (también podría humedecer el pincel…).

Con las espátulas, la cargo y cubro toda el área a pintar. Utilizo dos, una para hacer un primer «manchado» y el segundo para definir los bordes. Tengo la sensación de haber logrado más nitidez y uniformidad. Quizás la combinanción del gramaje con la velocidad del secado del gouache/témpera, no me ha ayudado a tener una mejor resolución del presente trabajo.

Vuelvo a los pinceles:

Resultado final:

SEGUNDA PARTE: Síntesis aditiva (colores luz).

Aquí reportaje fotográfico de los pasos seguidos para lograr el círuclo cromático en GIMP.

Resultado final del círculo cromático usando Gimp.

Laborioso, y necesitas estar pendiente de «muchos» pequeños detalles. Pero el video tutoríal, muy bien explicado.

Es cierto que para usar el degradado de grises «externo» se necesita paciencia para incorporarlo y poder usarlo.

Resultado muy interesante. Al final, manejas la herramienta con comodidad.

Anexo.-

Manchas con espátula usando el gouache sobrante (en proceso).

Seminario de contextos y sistemas del arte aula 2

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Ilustración 1.- Mapa del Sistema del Arte.

I.- INTRODUCCIÓN

El presente trabajo intenta realizar una descripción del sistema del arte mediante un “mapa”  del mundo del arte contemporáneo.

A nivel conceptual y teórico se ha recurrido a las lecturas de Becker (2008), Thornton (2008), y Walder (sf). Así mismo para la estructuración del mapa y de los actantes se utiliza la conceptualización realizada por Walder quien cubre de manera general, y en algún caso, muy concreta el mundo del arte. Siendo las otras lecturas complementarias y de gran ayuda en la definición y concreción de aspectos de gran detalle en los distintos “acontecimientos”.

En cuanto a la forma tomo la inspiración del trabajo realizado por Katie Paterson, a continuación su “Diagrama de Candle”[1]. Quien es capaz de agrupar mucha información y asociarla con una imagen. No obstante es un reto, la cantidad de actantes y la multiplicidad de interacciones y relaciones generando múltiples nodos de distinto valor, capital monetario, capital simbólico. Y a su vez entablando relaciones de poder y dependencia.

Ilustración 2.- Katie Paterson. “Diagrama de Candle”.

Es del todo evidente que el artista y la obra de arte al pertenecer al Sistema del Arte se diluye en el espectro de esta, lo que le quita protagonismo y centrismo. O visto como una telaraña, estos actantes forman ni más ni menos, nodos interrelacionados e interactivos en el mundo del arte. Estando en la fase creativa, indago entre las imágenes de mundos y la de telarañas, así como la de un tablero de ajedrez. Finalmente me decido por la versión de nodos ya que las otras alternativas generan confusión debido a que el número de actantes a “nivel conceptual” son muchísimos, y el incluir un “universo” coloreado, o iconos tales como diferentes piezas de ajedrez, generan confusión y pierde el objetivo final del mapa, que es el que muestre y se entienda cómo está compuesto el mundo del arte. Tal como se muestra en la Ilustración 1. En los anexos amplío el mapa de tal manera de poder apreciar mejor las interrelaciones y nodos generados.

II.- DESARROLLO

Partiendo de Waelder (sf) se pueden nominar los siguientes agentes del mundo del arte como las piezas de una partida de ajedrez: Artistas (peones), Galeristas (caballos), Coleccionistas (reina), crítica del arte (alfiles), comisarios (torres), Directores de museos (rey), público. Así mismo mencionar los espacios del arte contemporáneo en este mundo: estudio, residencias de centros de producción, Ferias, Bienales, subastas, galerías de arte. Y que se mueven en el mundo real y digital (internet).

Con este espectro se plasmará el Mapa del Sistema del Arte. Al ir desarrollando cada uno de los actantes he visto por conveniente poner todos los intervinientes alrededor de cada uno de los actores/actantes principales. Ello crea como un ecosistema de vida y supervivencia. Una vez producida la obra de arte, ésta empieza su recorrido y pasa a formar parte de distintos ecosistemas que le permiten (o no) avanzar y llegar a ser “consumida” ya sea por el gran público, público (especializado), coleccionistas o Museos.

He intentado incluir a otros actantes que no han sido nombrados por Waelder (sf), que pienso son importantes, tal es el caso del Estado, por su capacidad de dar leyes (tales como las de propiedad intelectual por poner un ejemplo, o estar incluida en la Constitución Española); otorgar subvenciones, becas, premios; así como en el ejercicio de su facultad de grabar con impuestos, los materiales necesarios para producir arte, el ingreso generado por vender arte. Otra manera de participar en el mundo del arte es el de los nombramientos de directores de museos, de bienales, de ferias e influir en la gestión y organización de estos. A un nivel micro también podemos incluir dentro de éste gran actuante a los ayuntamientos que a su nivel de influencia pueden participar en el mundo del arte, como por ejemplo organizando concursos, exposiciones, encargos o licitaciones artísticas de diverso índole; también en las normativas para abrir una galería, ferias o bienales. Y a nivel supranacional, la Comunidad Europea, (ONU, OMS, FAO, FMI, BM, etc.)  otorgando becas, subvenciones, líneas de crédito, licitaciones y concursos al mundo del arte. He de mencionar que es el único actante (el Estado) que tiene “nodos” o contacto con todos los actantes del mundo del arte, y de manera “directa”.

Otro actante son las revistas especializadas, tanto en papel como digitales. Esto lo desarrolla de una manera muy amena Sarah Thornton (2008) quien llega a decir que los críticos de arte pueden llegar a convertirse en verdaderos detectives; por otro lado menciona a los distintos colaboradores en las diversas revistas especializadas, tales como: académicos, críticos, estudiantes recién graduados, historiadores, artistas, colaboradores[2]. Hoy en día hay revistas que han logrado un capital simbólico muy alto y que un/a artista aparezca en la portada de una de ellas la/lo coloca en una situación con un alto capital simbólico quizás tanto como el de la propia revista.

Otro actante, de los más importantes (creo yo), son los Premios. Estos dan a la obra de arte y a la/al artista una visibilidad tanto como del que ofrece el Premio, siendo el capital simbólico acumulable para la/el artista y para la obra de arte, así como un incremento en el valor de esta última, incremento del capital económico. Thornton (2008) llega a afirmar que los premios que otorga Turner, pueden incrementar en un tercio las obras seleccionadas, y la obra ganadora doblar su precio[3].

Agencias de publicidad, es un actante que juega distintos roles en función del encargo que se le ha encomendado, incluso puede jugar el papel de consumidor, ya que puede comprar o encargar arte para ser usada en alguna campaña que tenga sobre la mesa. También puede contratar “artistas” para su departamento de creatividad, diseño y/o producción. Estas agencias son contratadas por galeristas, Ferias, Bienales, Museos, revistas de arte, artistas, donde su labor se encuentra en la de ayudar a promocionar una obra de arte, un evento, un artista, un museo. Encargándose de la comunicación, escrita, oral, visual, y/o digital.

Los Premios, en muchos casos es la puerta de entrada a muchas/os artistas, y en España se hacen muchos[4]. También los hay a nivel mundial y con premios en metálico de mucho dinero.

III.- CONCLUSIONES

El mapear el Sistema (o ecosistema) del arte, entendido éste como ambientes donde se produce, distribuye y comercializa, y consume arte, es un proceso que permite simplificar un entramado interconectado y muy complejo en el que los diversos actantes se pueden ver e intuir su grado de influencia y su posición y nivel de dominancia.

Mencionar también que aunque la/el artista y la obra de arte es la célula que da vida a este Mundo – el del arte – estos se diluyen en influencia y dominancia conforme se va adentrando en este intrincado mundo. Se ha de mencionar que la producción de arte tiene muchos formatos y que el digital empieza a propagarse de manera constante siendo así que la enseñanza de aquella se hace en los distintos ámbitos y empieza a ser una opción para el mundo del arte la creación digital y la venta de estas piezas, que en su momento son exclusivas o digamos “primera copia”.

Hablar de arte efímero, de performance, de NFT[5] (unidad no fungible), de arte inmaterial, son algunos de los elementos que se integran en este Mundo del Arte, y que han venido a quedarse y seguro vendrán más.

Finalmente he decidido usar un fondo especial, en este caso es el de la vía láctea, que marca miles de estrellas. Que en nuestro caso son aquellos actantes que son efímeros o circunstanciales o que aparecen en determinados momentos, como por ejemplo: el catering de un “vernissage”, pintores para preparar la sala de exposición, el personal que te sirve el “café” cada mañana, la/el vendedora de la prensa, la familia, las/os amigas/os, la diseñadora gráfica que maqueta el tríptico de la exposición, y así miles.

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[1] Katie Paterson (2015). Diagrama de Candle (from Earth into a Black Hole). Fuente: http://www.inglebygallery.com//wp-content/gallery/katie-paterson/katie_paterson_candle_schematic-drawing_2015_web.jpg, consultado el 21-09-2021.

[2] Sarah Thornton (2008), página 134.

[3] Idem, página 122.

[4] Los concursos de arte más prestigiosos de España. https://www.mundoarti.com/magazine/noticia/los-concursos-de-arte-mas-prestigiosos-de-espana/, consultado el 25-09-2021.

[5] “El arte y el entorno digital viven una revolución inesperada provocada por los ya famosos NFT (unidad no fungible, un ítem digital único). Y si algún amigo no te ha hablado aún de ello, estás a punto de familiarizarte con ellos. Pero para entendernos: los NFT son una garantía que convierte cualquier activo digital (desde una obra de arte a un tuit, pasando por una columna periodística) en algo digno de ser coleccionado, adquirido, subastado o comprado. De este modo hay subastas millonarias por obras exclusivas que solo existen en el entorno digital y que muchos podemos ver pero que, a partir de ahora, solo uno podrá poseer”. En El País (19-05-2021) Impacto medioambiental, dinero no regulado y activos de inversión de “alto riesgo”: el reto de España frente a los NFT. https://elpais.com/icon-design/arte/2021-05-19/impacto-medioambiental-dinero-no-regulado-y-activos-de-inversion-de-alto-riesgo-el-reto-de-espana-frente-a-los-nft.html consultado el 25-09-2021.

Referencias.

• Becker, Howard. (2008). Mundos del arte y actividad colectiva. En: Los mundos del arte. Sociología del trabajo artístico. pp. 17-59. Bernal: Universidad Nacional de Quilmes.
• Pérez-Calero Sánchez, Leticia A. (2011). “Mercado del arte e intermediarios : una perspectiva actual”. Grupo de Investigación CEAC (HUM 747), Junta de Andalucía, España. Pág. 14.
• Thornton, Sarah. (2008). “Seven days in the Art World”. W. W. Norton & Company, Inc., New York. Pág. 230.
• Walder, Pau (s.f.). “El sector de las artes plásticas y visuales”, Barcelona. Documento pdf. Pág.94.

ANEXOS

Bocetos iniciales

Top 10 Biggest & Most Important Art Awards & Prizes[1]

1.- American Art Awards.

2.- Art Prize.

3.- Bucksbaum Award.

4.- Future Generation Art Prize.

5.- Hugo Boss Prize.

6.- Marcel Duchamp Prize.

7.- Maxmara Art Prize for Women in Collaboration with The Whitechapel.

9.- Praemium Imperiale.

10.- Roswitha Haftmann Prize.

11.- Turner Prize.

[1] https://www.theinternationalman.com/art-awards.php consultado 29-09-2021.

Actantes en el área de Producción.

Actantes en el área de Distribución y Comercialización.

Actantes en el área de Consumo.

Nodos del Mundo del Arte.

Relaciones bilaterales o de influencia de los actantes.