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Título.
“Proyecto artístico invisible: Dejaremos de asesinar a la niñez” relato creativo, David Castro, Barcelona. 23-Junio-2024.
Pública Pública Pública Apreciadas compañeras,
Agradeceré vuestros comentarios.
saludos,
davidcastro
Dossier
Pública Resumen
En esta 2da. semana, he estructurado las palabras que me «rondaron» en los inicios de mi proyecto. Y propongo preguntas que me ayudan a explicar y «desarrollar» mi proyecto. Agradecería a mis compañeras y compañeros, que comenten el estado de mi proyecto, y si logro dibujar en sus pensamientos esta «narrativa», contra el daño de las guerras a la niñez. Gracias.
Mi proyecto es una alocución en formato de «entrevista», donde explico y lo «desarrollo».
Entrevista sobre el Proyecto Artístico contra las Guerras y el Daño a la Niñez.
Pregunta 1: ¿Cuál es el propósito principal de tu proyecto artístico en el contexto de las guerras y el daño infligido a la niñez?
Respuesta: Mi propósito principal es reaccionar y no aceptar las guerras como algo «natural». Quiero evitar que estas tragedias se repitan en cualquier lugar del planeta y proyectar la idea de que esto le puede pasar a cualquier persona, familia o comunidad. Identifico a la niñez como la más perjudicada en cualquier conflicto armado y quiero que se entienda que infringir dolor al otro para someterlo a sus deseos es una manera equivocada de resolver disputas. Ya que ello no soluciona el problema, sino, lo perpetúa.
Pregunta 2: ¿Qué papel juega el arte en la sensibilización sobre estos temas?
Respuesta: El arte tiene una consigna respecto a estos hechos y su repetición. La simple contemplación de lo bello no transmite un mensaje de atención al respecto, jugando un papel pasivo y neutro frente a lo evidente. Por eso, busco que los artistas, aquellos que lo son y los que no saben que lo son, con sus talentos evidentes, participen de manera activa en crear ambientes de protesta y reclamo sobre la potencial desaparición de la humanidad.
Pregunta 3: ¿Cómo creas este proyecto y cuáles son los criterios que has utilizado para crear esta obra?
Respuesta: La técnica es libre, no se ajusta a patrones convencionales ni visuales. El porqué de no mostrar imágenes se debe a que cada persona las interpreta según su contexto. Utilizar el color, el gesto, el sonido y la música también puede ser interpretado de maneras diferentes. Habitamos lugares en los que nuestro medio nos ha “formado” conceptos de belleza y ternura, pero con el riesgo de que dos personas interpreten lo mismo de manera contraria. Esto me ha llevado a trabajar con lo invisible para transmitir lo que pretendo, intentando ser muy cuidadoso con las palabras y corriendo el riesgo de ser malinterpretado.
Pretendo que esta entrevista cree imágenes en cada una de las personas que la vean o escuchen, que entiendan por qué no presento algo material. La intención es que generen imágenes perturbadoras en sus propias mentes. Así mismo, me niego a mostrar imágenes de sufrimiento porque pueden ser manipuladas y porque hay una parte de la sociedad que ya está insensibilizada a ellas. Al pensar en imágenes reales, abstractas o cubistas, no llegaría a todas las personas.
Pregunta 4: ¿Qué piensas sobre el uso de la violencia para resolver conflictos y el impacto de esto en la niñez?
Respuesta: Las guerras quitan a la infancia la oportunidad de ser y comportarse como tales, generando un sufrimiento inmenso. Expresarlo en un lienzo o en una performance puede ser otra forma de manipulación. La dulzura de estas criaturas destrozada por una bomba es difícilmente plasmable en tres dimensiones. Además, la industria de la guerra, de la que tantas economías subsisten, intenta acallar estas voces por cualquier medio y, por el momento, lo va logrando. Manipulando lo impensable, perpetúan el ciclo de violencia. Es el gran riesgo de la humanidad, una evolución que puede llegar al punto final de la misma. Devastar es la palabra que se me viene a la mente: eliminar todo ser viviente, y si es posible, futuros también.
Pregunta 5: ¿Cuál es tu postura respecto a las ideologías, religiones o partidos políticos en relación con tu proyecto?
Respuesta: En el proceso de definir qué crear, corro el riesgo de ser interpretado como defensor de una ideología, religión o partido político. Mi posición personal es estar en contra del hecho en sí. Este desarrollo no pretende ser un ataque intelectual contra creencias políticas o religiosas. Mi no pertenencia a bandos me posiciona «contra» ellos a la vez, pero no se trata de alinearse con uno u otro para solucionar el problema. Mi objetivo es activar al público con una interpretación activa de la narrativa expuesta y no dejar que las ideologías desvíen el foco de atención.
Pregunta 6: ¿Cómo pretende tu proyecto enfrentar la manipulación y el uso del arte por parte del poder?
Respuesta: El poder utiliza las artes y a los artistas para mostrarlo y perpetuarlo, o al menos lo intentan. Sin embargo, mi propuesta se posiciona en contra de esa manipulación. Quiero evitar traficar con el dolor y la muerte, y no dejar que el arte sea utilizado de manera deliberada para otros fines. Este proyecto es voluntario y sin presión alguna, sin ánimo de lucro, aconfesional, apolítico, multidisciplinar y sin financiación externa.
Pregunta 7: ¿Qué rol juegan las representaciones invisibles en tu proyecto?
Respuesta: Hace unos meses descubrí un artista que crea esculturas invisibles, luego de haber hablado y discutido acerca de esa aproximación del arte, llego a la conclusión que en este caso, el de presentar una obra que pretenda detener las matanzas de la niñez, esta aproximación del arte me ayuda. Me explico, la invisibilidad de lo material, me lleva a construir de manera gradual y mediante el diálogo, una imagen “personalizada”, o un pensamiento “único”, que es generado por la persona que escuche esta entrevista. En realidad es lo que causa una pintura, una performance, una música; unas “sensaciones” muy personales. Pues, lo mismo para este caso. Y que me permite evitar los “malos” entendidos, o “malas” interpretaciones. No presento nada auditivo, visual o vivencial, presento imágenes en sus pensamientos.
Pregunta 8: ¿Qué esperas lograr con la viralización de este proyecto y la participación del público?
Respuesta: Espero que la viralización de esta propuesta genere un movimiento global que detenga las guerras y deje de matar a las niñas y niños. Quiero empatizar con quienes están sufriendo en estos momentos y hacer que el público entienda la amenaza constante para la humanidad que representa la guerra. No presento nada representacional ni material, sino que he creado imágenes y representaciones en el pensamiento de cada uno de Uds., activando así una interpretación y reacción consciente al daño infligido a la niñez. Ahora es el turno de Uds., actúen, desde ese lugar de donde venimos, para proponer alternativas desde cualquier ámbito del hacer humano.
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Inicialmente se realizó la planificación del trabajo (cronograma) estimando 6 semanas, pero de acuerdo al calendario de entrega de esta práctica, se ha tenido que reprogramar en función de los días disponibles. Este avance, el primero, muestra el trabajo desarrollado y disponible hasta la fecha de su publicación. No obstante, en el transcurso del desarrollo del Proyecto, puede sufrir variaciones o alteraciones, por nueva información, o cambio de parecer, razonado por el autor.
Acción: Concreción de la Semilla.
El Proyecto a presentar transcurre en forma de «respuestas» a preguntas de una entrevistadora/r ficticia. Donde de una u otra manera se explican las muchas ideas/palabras que transitan el pensamiento del «artista» al crear esta obra. Las guerras que matan de manera “indiscriminada” a las personas, pero sobre todo a las niñas y niños. Aquellos que construyen (¿destruyen?), su futuro, el futuro de su sociedad de la humanidad. Guerras sin ningún viso de solución, o alternativa, a la resolución de divergencias entre naciones, países, regiones, etnias, religiones, familias.
Como objetivo del proyecto. La intención de realizar esta entrevista en formato de Performance, es para dar a entender al público los elementos que intervienen en nuestra mente, como artistas, para plasmar y expresar nuestro arte. Finalmente, la “obra inexistente” es la excusa para reflexionar acerca de las guerras y del daño que se infringe a la niñez. Y como una «Reflexión» profunda en el imaginario de las personas. Cada persona que escuche/vea la Performance construirá en su mente la imagen que “desee”, como consecuencia del relato. Materializándose, así la obra a presentar.
Acción: Investigación. Referentes contextuales y teóricos del arte.
Inicialmente , las diferentes fuentes consultadas y vistas en estos últimos meses, han ocupado gran parte de mi tiempo en reflexión, no solo por interiorizar lo aprendido, sino también, para utilizar nuevas técnicas en mi tránsito por el arte. En este sentido hay dos artistas que me ayudan a expresar el contexto en el que nos movemos. Una de ellas es Hito Steyerl (1966 Alemania), quien se aproxima al arte de manera performática, y aborda el feminismo, violencia política. Criticando las relaciones de patrocinio que se establecen entre fabricantes de armas, museos franquicias y bienales de arte.
Por otro lado, y de manera conceptual, la aproximación que se realiza a través de la desmaterialización de la autonomía del arte, la escultura monumental en el espacio público. Llegando a descubrir a Salvatore Garau y sus esculturas invisibles, expresando de manera inmaterial su «arte», y generando de manera revulsiva un gran impacto en las «contempladoras» de esta.
La participación del espectador con su interpretación y compromiso
Para la contextualización de la obra: He descubierto a Andrea Witcomb[1] quien me ayuda a huir del llamado cubo blanco `
[2]. Entendido este último, no solo por un encierro material, sino, también, alejarme de una dependencia institucional, política y/o partidista.
[1] Witcomb, A. (2003). Re-imagining the Museum: Beyond the Mausoleum. Museum and Society, 1(3), 145-159.
[2] Autora: Leire Vergara. El encargo y la creación de este material docente han sido coordinados por la profesora: Maria Iñigo
PID_00274731. UOC. Barcelona, Primera edición: febrero 2021.
Acción: Brain storming
Desde el inicio de este cuatrimestre, he desarrollado múltiples alternativas relacionadas con el objetivo. He pasado inicialmente, por la pintura, pasando por la fotografía, el vídeo, hasta terminar en la performance…
Inicialmente, he hecho una lista de palabras. Palabras relacionadas con el contexto, y la materialización de la obra.
Acción: Selección de palabras y Ordenarlas
Pública Pública Apreciad@s compañer@s, profesor@s,
Quiero compartir uno de mis trabajos realizados para la asignatura de videocreación, es un llamado a la «cordura» e inteligencia humana.
Lo he titulado, «Will we ever stop killing children?»
Es mi aporte a la reflexión.
Espero aprender de tod@s, y gracias de antemano por compartir.
Davidcastro
Pública Apreciadas compañeras,
aquí estado «final».
Aunque tengo la «mala» costumbre de nunca dar por terminada una pintura!!!
davidcastro
Pública Apreciadas compañeras,
os adjunto mis primeros pasos en óleo al agua.
me ha costado llegar al dibujo final, sobre todo por ls elipses, que las quería dejar definidas desde un inicio.
hago una apuesta “diferente “, al cubrir el lienzo con un rosa, para que el cuadro “respire
”, vino.
espero estar a la altura de vuestros trabajos.
Pública INTRODUCCIÓN
El presente texto, tiene como objetivo, nombrar los referentes más destacados, así como, en qué contexto se enmarca mi “futuro” trabajo para la asignatura de Proyecto I.
He de decir que he entrado en un mundo desconocido, ya que siempre he trabajado en dos dimensiones, y no se me había pasado por la cabeza abarcar algo tridimensional. Me explico, durante la elaboración de la PEC 1, de esta asignatura, realicé muchísimas fotos, casi 400 (sí, a veces exagero). Y ninguna me inspiró un tema para plasmarlo en dos dimensiones. De manera casual, me doy cuenta que al revisar las diferentes fotografías, encuentro en muchas de ellas un elemento “común”, y el que se mira (si es que se mira) de manera indiferente. Ello son las “aceras/adoquines”. Llego a la conclusión que es un elemento constante en las vidas de las personas, sobre todo, para habitantes de ciudades, 70% de la población mundial vive en ellas.
Se quiera o no, siendo conscientes o no, ellas (las aceras), ellos (los adoquines), nos acompañan, diariamente. Con los pensamientos que podamos tener en esos momentos, dirigiéndonos a un lugar concreto, o no, en soledad o en compañía. Así que para la primera PEC, utilizo como semilla un Collage de diversas fotos mostrando la diversidad de adoquines que nos encontramos, y que por otro lado, no mucha gente se percata de este hecho.
IMPLICACIONES SOCIALES, HISTÓRICAS
Desde el punto de vista estético y de conservación, podemos dedicarle varios folios, así como las responsabilidades directas e indirectas de los responsables de las mismas. A parte de observar un constante movimiento de “mantenimiento”; casi todas las ciudades están en obras, con más o menos acierto, pero bajo el “sufrimiento” de transeúntes. Quienes reaccionan de manera explícita, o no, ante esta circunstancia. En algunos casos, genera accidentes (y lo menciono por experiencia propia). Pero, creo, esto lo “piensa” la gran mayoría.
Pues, lo que pretendo, es que se “piense”, algo de lo que no se es consciente. Y cuando lo piensas, recién caes en la importancia de las “aceras/adoquines”. Generándose ese pensamiento al momento de hacerlo evidente, y no haberlo tenido antes, o reflexionado en esta evidencia.
Creo que el tema está más, en la sicología y en el inconsciente de las personas. La puesta en escena de este tema, genera “pensamientos”, positivos, negativos, amorosos, penosos, otros. Y que en realidad, forman parte de nuestras vidas, cada día, y así será hasta el final de nuestros días.
REFERENTES
Hace ya unos años descubrí a un artista, provocador él, quien era autor de escultura invisibles, Salvatore Garau. Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].
Otro referente, en línea con la idea de las “aceras/adoquines” es Sol Le Witt[3], quien se enmarca dentro del arte conceptual e instalaciones murales, enfocándose más en lo material y en el proceso, que en el mensaje.
Pero donde él deja que los materiales tradicionales hablen por sí mismos, y demostrar así su vulnerabilidad, decadencia, obsolescencia, y destrucción[4].
En una línea parecida, se encuentra Carlos Garaicoa, en sus Epifanías, trabaja con las alcantarillas, “para mí la ciudad es un punto de encuentro de multitud de cuestiones y es lo que quiero plasmar … es el sitio donde confluye todo el pensamiento, toda nuestra bondad, nuestra maldad, y nuestras necesidades”[5].
El espacio urbano como protagonista, ofreciendo una imagen poética de la ciudad.
El sábado pasado (8-4-2023), he vuelto a visitar la Sagrada Familia, y me encuentro con lo siguiente: un mosaico hexagonal de la Casa Milá con elementos decorativos en relieve.
He investigo, hasta llegar a La Pedrera, donde encuentro lo siguiente:
“A finales del siglo XIX se popularizaron en Catalunya los pavimentos de pequeñas piezas de cerámica, para sustituir las baldosas de barro cocido que se habían utilizado hasta entonces. Con estas pequeñas piezas de cerámica trabajó Gaudí hasta que descubrió el mosaico hidráulico, que le permitió diseñar auténticas alfombras pétreas de colores.
Antoni Gaudí comenzó a diseñar unas piezas de mosaico hidráulico para la Casa Batlló; debido a la tardanza en la fabricación de Escofet y CIA por la complejidad del diseño, las terminó colocando en la Casa Milà (La Pedrera).
Con esta pieza hexagonal creó una composición decorativa gracias al dibujo en relieve del pavimento y el color verde nefrita. Son necesarias un total de siete piezas para leer las alegorías al mundo marino, y podemos reconocer la rotunda espiral de un ammonites, la estrella de mar del tipo ofiroideus y el triangular despliegue de un alga, perteneciente quizá a la familia del sargassum.”[6].
En este caso Gaudí, pretende dar mensajes, utiliza a artesanos, trabaja con volúmenes, gravedad, y materiales que no se habían utilizado a la fecha, o en su caso, con otras funciones. El mensaje está dirigido a las personas que contemplen estos trabajos, para generar satisfacción y percepción de vida. Así mismo, su relación emocional con la religión es no solo de fe, sino también que, la creación había producido un mundo explicado por la geometría.
Antoni Tàpies, en un momento de su creación artística, convierte la pintura en un objeto, adquiriendo un carácter escultórico. Llenando de mensajes relacionados con su posición política y su profunda catalanidad. La siguiente es una foto realizada en una visita a su Fundación/Museo el pasado mes de febrero:
COMENTARIOS FINALES
No pretendo que mi semilla genere un tema filosófico, pero sí, cotidiano y desconocido hasta el momento de la evidencia y reflexión de las personas que contemplen la obra.
Citas:
[1] Gómez Fuentes, Ángel. (01/06/2021 10:38h). “Un artista vende por 15.000 euros una escultura inmaterial, invisible, que no existe”. https://www.abc.es/cultura/arte/abci-artista-vende-15000-euros-escultura-inmaterial-invisible-no-existe-202105281941_video.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F, consultado 11-04-2023..
[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.
[3] https://www.wikiart.org/en/sol-lewitt/standing-open-structure-black-1964, consultado el 11-04-2023.
[4] https://www.theartstory.org/artist/lewitt-sol/, consultado el 11-04-2023.
[5] https://www.elindependiente.com/tendencias/2017/02/16/la-epifania-urbana-de-carlos-garaicoa/, consultado el 11-04-2023.
[6] https://www.lapedrera.com/es/blog/los-pavimentos-de-la-pedrera, consultado el 11-04-2023.
Pública 1.1. Realizar un círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.
Preparación de los materiales y dibujo del círculo:
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Elaboración de la paleta con colores primarios, secundarios y terciarios (mezclas cromáticas sustractivas)
Creación de la escala de valor. Iluminando u oscureciendo los colores.
Primero la luminosidad con blanco.
Luego oscureciendo con negro.
Acabo el «primer intento» de círculo cromático, y me doy cuenta de la oscuridad del mismo. Así que decido volver a hacerlo pero esta vez con un «círculo cromático» de guía.
Resultado segundo intento:
Resultado Final:
1.2. Realizar 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación.
Proceso:
Finalmente he decidio trabajar esta parte con espátulas, ya que el gramaje del papel que estoy utilizando, no ayuda a deslizar el pincel sobre él, con lo cual tengo que cargar más pintura en el pincel (también podría humedecer el pincel…).
Con las espátulas, la cargo y cubro toda el área a pintar. Utilizo dos, una para hacer un primer «manchado» y el segundo para definir los bordes. Tengo la sensación de haber logrado más nitidez y uniformidad. Quizás la combinanción del gramaje con la velocidad del secado del gouache/témpera, no me ha ayudado a tener una mejor resolución del presente trabajo.
Vuelvo a los pinceles:
Resultado final:
SEGUNDA PARTE: Síntesis aditiva (colores luz).
Aquí reportaje fotográfico de los pasos seguidos para lograr el círuclo cromático en GIMP.
Resultado final del círculo cromático usando Gimp.
Laborioso, y necesitas estar pendiente de «muchos» pequeños detalles. Pero el video tutoríal, muy bien explicado.
Es cierto que para usar el degradado de grises «externo» se necesita paciencia para incorporarlo y poder usarlo.
Resultado muy interesante. Al final, manejas la herramienta con comodidad.
Anexo.-
Manchas con espátula usando el gouache sobrante (en proceso).
Pública
- 2002-08 Llama en la ciudadela de Machu Picchu. Cusco.
La llama es un animal representativo de la cultura peruana, en la foto se muestra imponente dentro de la ciudadela de Machu Picchu.
Machu Picchu, se encuentra en la cadena montañosa de los Andes, a 2.400 metros sobre el nivel del mar. En el año 2007 fue declarada como una de las nuevas siete maravillas del mundo moderno.
- 2002-08 Autoridades en Fiesta Patronal en la Isla Taquile – Puno.
La Isla se encuentra en medio del Lago Titicaca, a 4.100 metros sobre el nivel del mar.
Las autoridades visten ropas de color negro y están sentadas en sillas, mientras sus parejas lo hacen en el suelo. Separados del resto de los habitantes de la isla.
- 2002-08 Fiesta Patronal y tumbada de la Yunza en la Isla Taquile – Puno.
“La Yunza, es una celebración ritual muy antigua, practicada en todo el Perú, en el cual los asistentes deben bailar, rodeando al árbol, esperando a que el árbol con los regalos caiga por medio de machetazos. Según la cosmovisión andina tiene una representación sexual del hombre (árbol) y la mujer (tierra). El significado de la caída del árbol al suelo es rendirle tributo a la Pachamama”. Wikipedia.
- 2002-08 Isla de los Uros en el Lago Titicaca – Puno.
La Isla de los Uros, está hecha con totora, que es una planta acuática que crece en el Lago Titicaca. Y está habitada por pobladores que han adaptado sus vidas a las condiciones que puede ofrecer estas ciudades flotantes.
Una de sus fuentes de generación de valor es el de ofrecer productos artesanales a los turistas que visitan las islas.
- 2002-08 Mujer vendedora en la Isla de los Uros – Puno.
Vendedora, oriunda de la Isla flotante de los Uros, con sus productos a la venta, para los turistas. Detrás de ella, se encuentra su vivienda, también se observa, a lo lejos, tanque de agua dulce. Todo ello a una altitud de 4.100 metros sobre el nivel del mar.
- 2002-08 Niña a contraluz. Sacsayhuaman-Cusco.
En las afueras de la ciudad, en la fortaleza de Sacsayhuamán. Luciendo el sombrero típico de su pueblo, y posando para los turistas, a cambio de una propina.
Su rostro muestra lo duro de la climatología andina, mucho frío y heladas, así como sol constante durante el día, y con un alto grado de radiación.
- 2002-08 Niñas vendiendo maíz. en el Valle Sagrado de los Incas. Pisac-Cusco.
El Valle Sagrado de los Incas, acompañado por el río Urubamba, recorre uno de los caminos desde la ciudad del Cusco hasta la ciudadela de Machu Picchu.
En este caso, dos niñas (o una niña y su madre), vestidas con sus ropas de fiesta, así como sus sombreros (distinguiéndose por los colores de los flecos), ofrecen distintos tipos de maíz a los turistas.
- 2002-08 Valle Sagrado de los Incas – ciclista con poncho rojo. Ollantaytambo. Ataviado con prendas “festivas”, y así posar para los turistas, a cambio de una propina.
Otra vez, el sombrero es singular, y el poncho le va pequeño.
9. 2007 Niña Piedra de 12 puntas – Cusco.
Niña posando para los “turistas”; detrás de ella, la piedra de 12 puntas. Su vestido es el utilizado en las fiestas del pueblo. Los sombreros utilizados varían según su lugar de procedencia, tanto en forma como en colores.
- 2022 Rosa en Arequipa.
Rosa, posa con rostro serio a las cámaras de los turistas, a cambio de una “propina”. Le cuesta explicarse, ya que su lengua materna es el quechua, y su español es limitado.
“Baja” desde el Cusco hasta Arequipa para “que la retraten” y así tener un ingreso.
Su rostro está curtido por las inclemencias del tiempo, y la sonrisa se le ha “acabado”.
Ilustración 1.- Mapa del Sistema del Arte.
I.- INTRODUCCIÓN
El presente trabajo intenta realizar una descripción del sistema del arte mediante un “mapa” del mundo del arte contemporáneo.
A nivel conceptual y teórico se ha recurrido a las lecturas de Becker (2008), Thornton (2008), y Walder (sf). Así mismo para la estructuración del mapa y de los actantes se utiliza la conceptualización realizada por Walder quien cubre de manera general, y en algún caso, muy concreta el mundo del arte. Siendo las otras lecturas complementarias y de gran ayuda en la definición y concreción de aspectos de gran detalle en los distintos “acontecimientos”.
En cuanto a la forma tomo la inspiración del trabajo realizado por Katie Paterson, a continuación su “Diagrama de Candle”[1]. Quien es capaz de agrupar mucha información y asociarla con una imagen. No obstante es un reto, la cantidad de actantes y la multiplicidad de interacciones y relaciones generando múltiples nodos de distinto valor, capital monetario, capital simbólico. Y a su vez entablando relaciones de poder y dependencia.
Ilustración 2.- Katie Paterson. “Diagrama de Candle”.
Es del todo evidente que el artista y la obra de arte al pertenecer al Sistema del Arte se diluye en el espectro de esta, lo que le quita protagonismo y centrismo. O visto como una telaraña, estos actantes forman ni más ni menos, nodos interrelacionados e interactivos en el mundo del arte. Estando en la fase creativa, indago entre las imágenes de mundos y la de telarañas, así como la de un tablero de ajedrez. Finalmente me decido por la versión de nodos ya que las otras alternativas generan confusión debido a que el número de actantes a “nivel conceptual” son muchísimos, y el incluir un “universo” coloreado, o iconos tales como diferentes piezas de ajedrez, generan confusión y pierde el objetivo final del mapa, que es el que muestre y se entienda cómo está compuesto el mundo del arte. Tal como se muestra en la Ilustración 1. En los anexos amplío el mapa de tal manera de poder apreciar mejor las interrelaciones y nodos generados.
II.- DESARROLLO
Partiendo de Waelder (sf) se pueden nominar los siguientes agentes del mundo del arte como las piezas de una partida de ajedrez: Artistas (peones), Galeristas (caballos), Coleccionistas (reina), crítica del arte (alfiles), comisarios (torres), Directores de museos (rey), público. Así mismo mencionar los espacios del arte contemporáneo en este mundo: estudio, residencias de centros de producción, Ferias, Bienales, subastas, galerías de arte. Y que se mueven en el mundo real y digital (internet).
Con este espectro se plasmará el Mapa del Sistema del Arte. Al ir desarrollando cada uno de los actantes he visto por conveniente poner todos los intervinientes alrededor de cada uno de los actores/actantes principales. Ello crea como un ecosistema de vida y supervivencia. Una vez producida la obra de arte, ésta empieza su recorrido y pasa a formar parte de distintos ecosistemas que le permiten (o no) avanzar y llegar a ser “consumida” ya sea por el gran público, público (especializado), coleccionistas o Museos.
He intentado incluir a otros actantes que no han sido nombrados por Waelder (sf), que pienso son importantes, tal es el caso del Estado, por su capacidad de dar leyes (tales como las de propiedad intelectual por poner un ejemplo, o estar incluida en la Constitución Española); otorgar subvenciones, becas, premios; así como en el ejercicio de su facultad de grabar con impuestos, los materiales necesarios para producir arte, el ingreso generado por vender arte. Otra manera de participar en el mundo del arte es el de los nombramientos de directores de museos, de bienales, de ferias e influir en la gestión y organización de estos. A un nivel micro también podemos incluir dentro de éste gran actuante a los ayuntamientos que a su nivel de influencia pueden participar en el mundo del arte, como por ejemplo organizando concursos, exposiciones, encargos o licitaciones artísticas de diverso índole; también en las normativas para abrir una galería, ferias o bienales. Y a nivel supranacional, la Comunidad Europea, (ONU, OMS, FAO, FMI, BM, etc.) otorgando becas, subvenciones, líneas de crédito, licitaciones y concursos al mundo del arte. He de mencionar que es el único actante (el Estado) que tiene “nodos” o contacto con todos los actantes del mundo del arte, y de manera “directa”.
Otro actante son las revistas especializadas, tanto en papel como digitales. Esto lo desarrolla de una manera muy amena Sarah Thornton (2008) quien llega a decir que los críticos de arte pueden llegar a convertirse en verdaderos detectives; por otro lado menciona a los distintos colaboradores en las diversas revistas especializadas, tales como: académicos, críticos, estudiantes recién graduados, historiadores, artistas, colaboradores[2]. Hoy en día hay revistas que han logrado un capital simbólico muy alto y que un/a artista aparezca en la portada de una de ellas la/lo coloca en una situación con un alto capital simbólico quizás tanto como el de la propia revista.
Otro actante, de los más importantes (creo yo), son los Premios. Estos dan a la obra de arte y a la/al artista una visibilidad tanto como del que ofrece el Premio, siendo el capital simbólico acumulable para la/el artista y para la obra de arte, así como un incremento en el valor de esta última, incremento del capital económico. Thornton (2008) llega a afirmar que los premios que otorga Turner, pueden incrementar en un tercio las obras seleccionadas, y la obra ganadora doblar su precio[3].
Agencias de publicidad, es un actante que juega distintos roles en función del encargo que se le ha encomendado, incluso puede jugar el papel de consumidor, ya que puede comprar o encargar arte para ser usada en alguna campaña que tenga sobre la mesa. También puede contratar “artistas” para su departamento de creatividad, diseño y/o producción. Estas agencias son contratadas por galeristas, Ferias, Bienales, Museos, revistas de arte, artistas, donde su labor se encuentra en la de ayudar a promocionar una obra de arte, un evento, un artista, un museo. Encargándose de la comunicación, escrita, oral, visual, y/o digital.
Los Premios, en muchos casos es la puerta de entrada a muchas/os artistas, y en España se hacen muchos[4]. También los hay a nivel mundial y con premios en metálico de mucho dinero.
III.- CONCLUSIONES
El mapear el Sistema (o ecosistema) del arte, entendido éste como ambientes donde se produce, distribuye y comercializa, y consume arte, es un proceso que permite simplificar un entramado interconectado y muy complejo en el que los diversos actantes se pueden ver e intuir su grado de influencia y su posición y nivel de dominancia.
Mencionar también que aunque la/el artista y la obra de arte es la célula que da vida a este Mundo – el del arte – estos se diluyen en influencia y dominancia conforme se va adentrando en este intrincado mundo. Se ha de mencionar que la producción de arte tiene muchos formatos y que el digital empieza a propagarse de manera constante siendo así que la enseñanza de aquella se hace en los distintos ámbitos y empieza a ser una opción para el mundo del arte la creación digital y la venta de estas piezas, que en su momento son exclusivas o digamos “primera copia”.
Hablar de arte efímero, de performance, de NFT[5] (unidad no fungible), de arte inmaterial, son algunos de los elementos que se integran en este Mundo del Arte, y que han venido a quedarse y seguro vendrán más.
Finalmente he decidido usar un fondo especial, en este caso es el de la vía láctea, que marca miles de estrellas. Que en nuestro caso son aquellos actantes que son efímeros o circunstanciales o que aparecen en determinados momentos, como por ejemplo: el catering de un “vernissage”, pintores para preparar la sala de exposición, el personal que te sirve el “café” cada mañana, la/el vendedora de la prensa, la familia, las/os amigas/os, la diseñadora gráfica que maqueta el tríptico de la exposición, y así miles.
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[1] Katie Paterson (2015). Diagrama de Candle (from Earth into a Black Hole). Fuente: http://www.inglebygallery.com//wp-content/gallery/katie-paterson/katie_paterson_candle_schematic-drawing_2015_web.jpg, consultado el 21-09-2021.
[2] Sarah Thornton (2008), página 134.
[3] Idem, página 122.
[4] Los concursos de arte más prestigiosos de España. https://www.mundoarti.com/magazine/noticia/los-concursos-de-arte-mas-prestigiosos-de-espana/, consultado el 25-09-2021.
[5] “El arte y el entorno digital viven una revolución inesperada provocada por los ya famosos NFT (unidad no fungible, un ítem digital único). Y si algún amigo no te ha hablado aún de ello, estás a punto de familiarizarte con ellos. Pero para entendernos: los NFT son una garantía que convierte cualquier activo digital (desde una obra de arte a un tuit, pasando por una columna periodística) en algo digno de ser coleccionado, adquirido, subastado o comprado. De este modo hay subastas millonarias por obras exclusivas que solo existen en el entorno digital y que muchos podemos ver pero que, a partir de ahora, solo uno podrá poseer”. En El País (19-05-2021) Impacto medioambiental, dinero no regulado y activos de inversión de “alto riesgo”: el reto de España frente a los NFT. https://elpais.com/icon-design/arte/2021-05-19/impacto-medioambiental-dinero-no-regulado-y-activos-de-inversion-de-alto-riesgo-el-reto-de-espana-frente-a-los-nft.html consultado el 25-09-2021.
Referencias.
- Becker, Howard. (2008). Mundos del arte y actividad colectiva. En: Los mundos del arte. Sociología del trabajo artístico. pp. 17-59. Bernal: Universidad Nacional de Quilmes.
- Pérez-Calero Sánchez, Leticia A. (2011). “Mercado del arte e intermediarios : una perspectiva actual”. Grupo de Investigación CEAC (HUM 747), Junta de Andalucía, España. Pág. 14.
- Thornton, Sarah. (2008). “Seven days in the Art World”. W. W. Norton & Company, Inc., New York. Pág. 230.
- Walder, Pau (s.f.). “El sector de las artes plásticas y visuales”, Barcelona. Documento pdf. Pág.94.
ANEXOS
Bocetos iniciales
Top 10 Biggest & Most Important Art Awards & Prizes[1]
1.- American Art Awards.
2.- Art Prize.
3.- Bucksbaum Award.
4.- Future Generation Art Prize.
5.- Hugo Boss Prize.
6.- Marcel Duchamp Prize.
7.- Maxmara Art Prize for Women in Collaboration with The Whitechapel.
9.- Praemium Imperiale.
10.- Roswitha Haftmann Prize.
11.- Turner Prize.
[1] https://www.theinternationalman.com/art-awards.php consultado 29-09-2021.
Actantes en el área de Producción.
Actantes en el área de Distribución y Comercialización.
Actantes en el área de Consumo.
Nodos del Mundo del Arte.
Relaciones bilaterales o de influencia de los actantes.
Pública A continuación adjunto la revisión/resumen de lo que ha sido el proceso de mi Proyecto llevado a cabo en la asignatura desde el inicio.
“Proyecto artístico invisible: Dejaremos de asesinar a la niñez” relato creativo
Inicialmente, pretendía incitar a la reflexión de las personas que “contemplen” la obra. Pero analizando el impacto que se pretende lograr, no es suficiente, encerrar la “obra” en “cubos blancos” o en redes sociales, o a técnicas o formatos preconcebidos y hartamente utilizados. Y las expresiones artísticas plásticas, o bidimensionales o performativas tampoco lo logran. Básicamente por los diferentes contextos de las personas que contemplen la obra.
En este caso he trabajado lo que genero, lo que provoco, y lo que me genera. Pretendiendo un objetivo, el cual el 99% de la población mundial lo comparte, pero que se distorsiona cuando se transmite, llegando incluso a confundir el mensaje.
Finalmente, se propone un desplazamiento de lo material a lo invisible (que no inmaterial), pasando por esculturas invisibles que se van construyendo con las palabras hasta la materialización de estas imágenes en cada persona que escuche o vea la entrevista/performance, de una obra que no existe en la realidad física, pero sí en el pensamiento. Empujándola a reflexionar y, finalmente, actuar.
He tardado cuatro meses en lograr ese giro inmaterial, en ocasiones, hundiéndome en mis propios pensamientos y deseos. Espero que con la propuesta realizada, me acerque al propósito de mi obra.
Pública Resumen
En esta 3ra. semana he trabajado la puesta en «escena» de mi proyecto, que es una alocución en formato de «entrevista», donde explico y lo «desarrollo»..
Para ello han sido tomados en cuenta los siguientes pasos:
- Vestimenta. que no sea un elemento de distracción, que no se «interprete» o mal interprete.
- Aseo, corte de cabello.
- posición de la cámara, pruebas de distintas opciones, gran angular, close-up, etc
- elementos de alrededor y sobre todo del fondo. Los elementos físicos, también hablan y se enmarcan en diversos contextos.
- pruebas de sonido. Eliminación de sonidos de fondo, lamentablemente no se dispone de un ambiente insonorizado que haría más fácil este propósito.
- Primera alocución, la cual se torna muy larga. En total 25 minutos. Disponible en YouTube pero «privado». Si alguien quisiera ver y oir la primera prueba, me lo puede solicitar para dar los permisos necesarios.
- Corrección y «reducción» de la entrevista, hasta 15′. Siento, por un lado, que no dice todo lo que quisiera decir, y por otro, que sigue siendo muy «largo».
- Tono de voz. Demasiado serio, y con voz muy pausada y neutra. Darle más dinamismo, quizás, no sea lo más adecuado para el tema que trata.
- Con todo el material desarrollado tengo la sensación que está todo preparado para versión final y pasar a la edición.
A continuación, los ficheros desarrollados, fotos y vídeos.
Agradeceré cualquier comentario.
Pública Las obras de arte a exponer son las siguientes:
[2] https://www.google.com/search?q=Ana+Teresa+Barboza&sca_esv=e11a3816d0bf0ea3&sca_upv=1&rlz=1C5CHFA_enES813ES813&biw=1137&bih=603&sxsrf=ACQVn0_YiM5XsQmrCP97BLFpzjzgLIrcuw%3A1712598748573&ei=3C4UZsbFIdmO9u8P9oi6-AE&ved=0ahUKEwjGo7PAl7OFAxVZh_0HHXaEDh8Q4dUDCBA&uact=5&oq=Ana+Teresa+Barboza&gs_lp=Egxnd3Mtd2l6LXNlcnAiEkFuYSBUZXJlc2EgQmFyYm96YTIFEC4YgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyFBAuGIAEGJcFGNwEGN4EGOAE2AEBSJ4eUKQMWKQMcAF4AZABAJgBswGgAbMBqgEDMC4xuAEDyAEA-AEB-AECmAICoALJAagCCsICBxAjGOoCGCeYAwq6BgYIARABGBSSBwMxLjGgB4MI&sclient=gws-wiz-serp
[3] https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/arte_internacional/20050519/adriana-varejao/10499622_0.html
[4] https://uvuvuv.com/es/artist/z-amalia-pica-3/
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