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Pública A continuación muestra las relaciones que he encontrado entre el contexto y mis referentes, y la intersección de estos para generar «mi semilla».
Para el caso de los referentes, estos están «ordenados» de izquierda a derecha, donde transcurre desde lo más cercano a mi semilla hasta lo más «lejano», que por estar lejos no es que no proporcione valor a la semilla. Ya que el objetivo de este último es crear el pensamiento en el espectador con la contemplación de la nada, y mi semilla, creo, pretende crear pensamiento pero con la contemplación de algo material.
En el siguiente diagrama (después de haber intentado varios), se puede observar las interrelaciones de todos los generadores e influenciadores de mi semilla.
Dentro del Contexto Artístico, he posicionado mis Referentes, y así poder integrarlo todo en un solo gráfico.
Pública INTRODUCCIÓN
El presente texto, tiene como objetivo, nombrar los referentes más destacados, así como, en qué contexto se enmarca mi “futuro” trabajo para la asignatura de Proyecto I.
He de decir que he entrado en un mundo desconocido, ya que siempre he trabajado en dos dimensiones, y no se me había pasado por la cabeza abarcar algo tridimensional. Me explico, durante la elaboración de la PEC 1, de esta asignatura, realicé muchísimas fotos, casi 400 (sí, a veces exagero). Y ninguna me inspiró un tema para plasmarlo en dos dimensiones. De manera casual, me doy cuenta que al revisar las diferentes fotografías, encuentro en muchas de ellas un elemento “común”, y el que se mira (si es que se mira) de manera indiferente. Ello son las “aceras/adoquines”. Llego a la conclusión que es un elemento constante en las vidas de las personas, sobre todo, para habitantes de ciudades, 70% de la población mundial vive en ellas.
Se quiera o no, siendo conscientes o no, ellas (las aceras), ellos (los adoquines), nos acompañan, diariamente. Con los pensamientos que podamos tener en esos momentos, dirigiéndonos a un lugar concreto, o no, en soledad o en compañía. Así que para la primera PEC, utilizo como semilla un Collage de diversas fotos mostrando la diversidad de adoquines que nos encontramos, y que por otro lado, no mucha gente se percata de este hecho.
IMPLICACIONES SOCIALES, HISTÓRICAS
Desde el punto de vista estético y de conservación, podemos dedicarle varios folios, así como las responsabilidades directas e indirectas de los responsables de las mismas. A parte de observar un constante movimiento de “mantenimiento”; casi todas las ciudades están en obras, con más o menos acierto, pero bajo el “sufrimiento” de transeúntes. Quienes reaccionan de manera explícita, o no, ante esta circunstancia. En algunos casos, genera accidentes (y lo menciono por experiencia propia). Pero, creo, esto lo “piensa” la gran mayoría.
Pues, lo que pretendo, es que se “piense”, algo de lo que no se es consciente. Y cuando lo piensas, recién caes en la importancia de las “aceras/adoquines”. Generándose ese pensamiento al momento de hacerlo evidente, y no haberlo tenido antes, o reflexionado en esta evidencia.
Creo que el tema está más, en la sicología y en el inconsciente de las personas. La puesta en escena de este tema, genera “pensamientos”, positivos, negativos, amorosos, penosos, otros. Y que en realidad, forman parte de nuestras vidas, cada día, y así será hasta el final de nuestros días.
REFERENTES
Hace ya unos años descubrí a un artista, provocador él, quien era autor de escultura invisibles, Salvatore Garau. Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].
Otro referente, en línea con la idea de las “aceras/adoquines” es Sol Le Witt[3], quien se enmarca dentro del arte conceptual e instalaciones murales, enfocándose más en lo material y en el proceso, que en el mensaje.
Pero donde él deja que los materiales tradicionales hablen por sí mismos, y demostrar así su vulnerabilidad, decadencia, obsolescencia, y destrucción[4].
En una línea parecida, se encuentra Carlos Garaicoa, en sus Epifanías, trabaja con las alcantarillas, “para mí la ciudad es un punto de encuentro de multitud de cuestiones y es lo que quiero plasmar … es el sitio donde confluye todo el pensamiento, toda nuestra bondad, nuestra maldad, y nuestras necesidades”[5].
El espacio urbano como protagonista, ofreciendo una imagen poética de la ciudad.
El sábado pasado (8-4-2023), he vuelto a visitar la Sagrada Familia, y me encuentro con lo siguiente: un mosaico hexagonal de la Casa Milá con elementos decorativos en relieve.
He investigo, hasta llegar a La Pedrera, donde encuentro lo siguiente:
“A finales del siglo XIX se popularizaron en Catalunya los pavimentos de pequeñas piezas de cerámica, para sustituir las baldosas de barro cocido que se habían utilizado hasta entonces. Con estas pequeñas piezas de cerámica trabajó Gaudí hasta que descubrió el mosaico hidráulico, que le permitió diseñar auténticas alfombras pétreas de colores.
Antoni Gaudí comenzó a diseñar unas piezas de mosaico hidráulico para la Casa Batlló; debido a la tardanza en la fabricación de Escofet y CIA por la complejidad del diseño, las terminó colocando en la Casa Milà (La Pedrera).
Con esta pieza hexagonal creó una composición decorativa gracias al dibujo en relieve del pavimento y el color verde nefrita. Son necesarias un total de siete piezas para leer las alegorías al mundo marino, y podemos reconocer la rotunda espiral de un ammonites, la estrella de mar del tipo ofiroideus y el triangular despliegue de un alga, perteneciente quizá a la familia del sargassum.”[6].
En este caso Gaudí, pretende dar mensajes, utiliza a artesanos, trabaja con volúmenes, gravedad, y materiales que no se habían utilizado a la fecha, o en su caso, con otras funciones. El mensaje está dirigido a las personas que contemplen estos trabajos, para generar satisfacción y percepción de vida. Así mismo, su relación emocional con la religión es no solo de fe, sino también que, la creación había producido un mundo explicado por la geometría.
Antoni Tàpies, en un momento de su creación artística, convierte la pintura en un objeto, adquiriendo un carácter escultórico. Llenando de mensajes relacionados con su posición política y su profunda catalanidad. La siguiente es una foto realizada en una visita a su Fundación/Museo el pasado mes de febrero:
COMENTARIOS FINALES
No pretendo que mi semilla genere un tema filosófico, pero sí, cotidiano y desconocido hasta el momento de la evidencia y reflexión de las personas que contemplen la obra.
Citas:
[1] Gómez Fuentes, Ángel. (01/06/2021 10:38h). “Un artista vende por 15.000 euros una escultura inmaterial, invisible, que no existe”. https://www.abc.es/cultura/arte/abci-artista-vende-15000-euros-escultura-inmaterial-invisible-no-existe-202105281941_video.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F, consultado 11-04-2023..
[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.
[3] https://www.wikiart.org/en/sol-lewitt/standing-open-structure-black-1964, consultado el 11-04-2023.
[4] https://www.theartstory.org/artist/lewitt-sol/, consultado el 11-04-2023.
[5] https://www.elindependiente.com/tendencias/2017/02/16/la-epifania-urbana-de-carlos-garaicoa/, consultado el 11-04-2023.
[6] https://www.lapedrera.com/es/blog/los-pavimentos-de-la-pedrera, consultado el 11-04-2023.
Pública Primera y Segunda Entrega. 3 abril 2023.
PRIMERA PARTE: BÚSQUEDA Y ANÁLISIS DE REFERENTES PICTÓRICOS.
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Tres obras pictóricas.
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Pablo Picasso. Las Señoritas de Avignon[1].
Esta obra la visité hace ya muchísimos años en Nueva York. Y este pasado año (2022), contemplé un tapiz en tela, en el Museo Picasso de Málaga (ver anexo 1).
Marca muchos inicios, entre ellos, la primera pintura “cubista”. Influenciado por la exposición de Arte Primitivo Africano que visitó Picasso en París, “… descuida la perspectiva y las relaciones de las diversas partes del cuerpo entre sí; las proporciones individuales no corresponden a la lógica de la apariencia natural… renuncia conscientemente de la técnica pictórica profesional. En su lugar, contrapone de manera cruda los contornos, líneas y superficies de colores, con el objeto de evitar toda semejanza con la representación de un ser humano verdadero y existente… habría experimentado así una liberación casi exorcística a través de un intenso proceso de trabajo que culminó en ese cuadro”[2].
También hay una liberación o catarsis de sus experiencias sexuales en aquella casa de “citas”. En algún momento oí que la mujer que está en el centro de la pintura era su mujer, pero no he encontrado confirmación de este hecho en los textos “especializados”.
Título original: Les Demoiselles d’Avignon
Año: 1907
Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo sobre lienzo (243.9 × 233.7 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. Picasso utiliza “principalmente” el rojo y moviéndose hacia el naranja-amarillo para la piel de las “señoritas”. Las sombras las logra quitándole valor al rojo. Y en algún caso, utilizando su complementario para aquellas. 
Este complementario (verde-azulado), también se utiliza en uno de los rostros.
– Analogía cromática. Se mueve en colores adyacentes, del rojo hacia el amarillo, cambiando ligeramente el tono. Pero entre estos, del mismo tono.
– Interacción entre complementarios. En algún momento utiliza los complementarios para marcar el perfil de las señoritas. En aquella época se discutía mucho acerca de este hecho.
– Temperatura cromática. Principalmente, Picasso, se mueve en los colores cálidos. Y tiene un “rol” secundario, los colores fríos.
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Henry Matisse. The standing Riffian[3].
Tuve en casa un “afiche” (con medidas originales) de una de sus obras elaboradas en Marruecos, que me acompañó durante casi 30 años, “Paisaje desde una ventana” (ver anexo 2).
El cuadro elegido es uno de una serie de retratos que elabora Matisse en ese año que visitó Marruecos (dos veces, inicios 1912, invierno 1912-13).
Respecto a la pintura, comenta Marcel Sembat[4], se le ve la gran “maldad” al retratado, así como su cara angular y ferocidad.
Matisse es reconocido como uno de los precursores del movimiento Fauvista. Siendo este movimiento, no solamente una liberación de potenciales expresivos, sino también una suerte de dispositivo disparador que permite establecer nuevas relaciones entre la experiencia visual y su traducción formal”[5].
Título original: Le rifain debut (The standing Riffian)[7]
Año: 1912.
Museo: Hermitage (Rusia)
Técnica: Óleo re lienzo (146.5 × 97.7 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. Matisse, en este cuadro, transita por dos colores, principalmente, el verde-azulado y el azul-violeta. Como si dividiera el mundo (el cuadro) en dos colores. Para luego utilizar el naranja-amarillo en el rostro. Se observa que la pared en están más apagados, que el elemento principal del retrato, que son las ropas. Resaltando estas últimas, a pesar de no tener un gran contraste.
En la vestimenta, realiza una “tríada” de amarillo-naranja, naranja-rojo y azul-violeta, el cual se repite a los lados y, sobre todo, en el centro del mismo. Esa tríada está dentro de manchas amarillas de tonalidad clara.
– Analogía cromática. Transita del rojo-naranja, al naranja-amarillo, en el mismo tono, para luego bajar, aclarándolo con blanco.
– Interacción entre complementarios. El rojo-naranja y el verde-azulado, es utilizado en los bordes para definir las sombras de la vestimenta. Y el blanco en la izquierda del cuadro, para contrastar e iluminar ese brazo, y el hombro lado derecho (hombro izquierdo de la figura).
– Temperatura cromática. Básicamente, se mueve en la gama de colores fríos. Con ligera participación de cálidos, amarillo-naranja.
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Vincent Van Gogh. Naturaleza Muerta con Girasoles.
En el año 1889, Vicent Van Gogh, vivía en “La casa amarilla” en Arlés, y esperaba a Paul Gauguin para formar un círculo de artistas (y hacer economías con los gastos de alquiler y otros). Y preparaba la habitación de aquél, adornándolo con esta pintura.
En realidad, Van Gogh pintó cuatro versiones de girasoles, e hizo tres copias de cada una de ellas[8]. Firmando solo dos de las “originales”, que le pareció más ajustado a lo que buscaba. La línea “roja” que divide la pared del suelo en “Jarrón con 14 girasoles” fue hecha por Paul Gauguin, durante su convivencia con Van Gogh.
Arlés está en la Provenza francesa, siendo una característica de la zona su sol radiante. Pero cuando llega hacía mucho frío y pronto empezó a nevar. Este cuadro, es una alegoría a la evolución de “vida” que tiene un girasol.
“La paleta que utiliza aquí es casi la misma que la del lienzo de Otterlo, aunque ha prescindido de la línea roja circundante.” [9].
Título: Naturaleza muerta con girasoles[11], también conocido como “Jarrón con 14 girasoles”.
Año: 1889.
Museo: Ámsterdam, Rijksmuseum Vincent Van Gogh (Fundación Vincent Van Gogh)
Técnica: Óleo sobre lienzo (95 × 73 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. El color predominante en la pintura es el amarillo. Es el color que “envuelve” al motivo principal del cuadro (quizás como símbolo de alegría y felicidad). Moviéndose por el amarillo-naranja con reducción del valor (podríamos decir Ocre). También utiliza el verde, verde-amarillo, en diferentes tonalidades, apagándolo poco a poco, para los tallos.
– Analogía cromática, transitando por sus adyacentes, tanto por el verde-amarillo, como el naranja-amarillo. Llamadas también combinación análogas.
– Interacción entre complementarios. Utiliza, en un caso, el rojo-violeta, complementario del verde. Y también el violeta, complementario del amarillo. Para los contornos de la maceta, y el borde entre el suelo y pared (línea pintada por Gauguin).
– Temperatura cromática. Transcurre entre un sutil frío y cálidos, verde-amarillo, amarillo, naranja-amarillo.
SEGUNDA PARTE: INVENTARIO DE COLOR Y CONSTRUCCIÓN DE NUESTRA PALETA
- Obra pictór
ica elegida: Johannes Vermeer, “La chica de la Perla”.
Como homenaje a Vermeer, y a la exposición sobre sus obras en el Rijksmuseum en Amsterdam-Países Bajos (cuyas entradas están agotadas desde el año pasado).
- Inventario proporcional de color. Utilizando el programa GIMP.
A groso modo, y simplificando las tonalidades de los colores, el siguiente sería el inventario propor-cional.
He omitido mencionar el color de fondo: negro, que a su vez, es el que más proporción tiene.
- A continuación los valores RGB del inventario de color utilizando el programa de edición de imagen GIMP.
– Se adjuntan fotos de pantalla de la actividad.
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[1] Imagen tomada de: https://historia-arte.com/obras/las-senoritas-de-avignon, consultado el 30-03-2023.
[2] Walther (2002, 145).
[3] “Se trata de una región tradicionalmente aislada y desfavorecida. El idioma materno de la parte oriental del Protectorado del Rif es el «bereber rifeño» o tarifit (provincias de Alhucemas, Driuch, Nador) y, el de la parte occidental (provincias de Fahs-Anyera,Larache, Chauen) es el árabe dialectal. Tienen gran presencia el francés y el español, que constituyen las principales lenguas extranjeras.” https://es.wikipedia.org/wiki/Rif, consultado el 31-01-2023.
[4] Cowart, .. (1990, 94).
[5] D’Alfonso,… (1990, 371)
[6] https://fr.wahooart.com/@@/9GF77J-Henri-Matisse-le-rifain-debout-de-huile-toile–(-145×96-), consultado el 30-03-2023.
[7] Cowart,… (1990, 18).
[8] Van Uitert, Tilborgh (1990, 191).
[9] Idem.
[10] Foto realizada con iPhone13, modificada saturación. Del original: Van Uitert (1990, 193). En realidad esta es la copia del lienzo de Londres, probablemente el más importante de los dos originales
[11] Cowart,… (1990, 18).
Pública 1.1. Realizar un círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.
Preparación de los materiales y dibujo del círculo:
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Elaboración de la paleta con colores primarios, secundarios y terciarios (mezclas cromáticas sustractivas)
Creación de la escala de valor. Iluminando u oscureciendo los colores.
Primero la luminosidad con blanco.
Luego oscureciendo con negro.
Acabo el «primer intento» de círculo cromático, y me doy cuenta de la oscuridad del mismo. Así que decido volver a hacerlo pero esta vez con un «círculo cromático» de guía.
Resultado segundo intento:
Resultado Final:
1.2. Realizar 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación.
Proceso:
Finalmente he decidio trabajar esta parte con espátulas, ya que el gramaje del papel que estoy utilizando, no ayuda a deslizar el pincel sobre él, con lo cual tengo que cargar más pintura en el pincel (también podría humedecer el pincel…).
Con las espátulas, la cargo y cubro toda el área a pintar. Utilizo dos, una para hacer un primer «manchado» y el segundo para definir los bordes. Tengo la sensación de haber logrado más nitidez y uniformidad. Quizás la combinanción del gramaje con la velocidad del secado del gouache/témpera, no me ha ayudado a tener una mejor resolución del presente trabajo.
Vuelvo a los pinceles:
Resultado final:
SEGUNDA PARTE: Síntesis aditiva (colores luz).
Aquí reportaje fotográfico de los pasos seguidos para lograr el círuclo cromático en GIMP.
Resultado final del círculo cromático usando Gimp.
Laborioso, y necesitas estar pendiente de «muchos» pequeños detalles. Pero el video tutoríal, muy bien explicado.
Es cierto que para usar el degradado de grises «externo» se necesita paciencia para incorporarlo y poder usarlo.
Resultado muy interesante. Al final, manejas la herramienta con comodidad.
Anexo.-
Manchas con espátula usando el gouache sobrante (en proceso).
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.