VÍDEO DE PROCESO:
Autor: David Angel Castro Miranda (Página 1 de 10)
David Castro, Nacido en Lima, con doble nacionalidad española y peruana, y residente en Barcelona desde 1987, es ingeniero economista. Ha cultivado una profunda conexión con las artes a lo largo de su vida, dedicando décadas a desarrollar de manera autodidacta tanto disciplinas visuales como la escritura, con un enfoque particular en la poesía. Desde 2020, estudia Arte en la Universidad Oberta de Catalunya, lo que ha ampliado aún más su comprensión y apreciación del arte en sus múltiples formas.
1. Sustentación de la elección
He realizado un tour fotográfico por los parques y jardines de la zona. He de decir que hay muchos, sí, en unos 500 metros a la redonda hay cinco. Así que he seleccionado dos y aquí muestro una selección de fotos para el propósito de este informe.. Por otro lado, he seleccionado la espiral y la hélice debido a su papel como principio generador fundamental en la naturaleza. Esta forma no es solo un capricho estético, ni compleja per-sé, sino una solución de máxima eficiencia biológica para el empaquetado y el crecimiento, tal como lo demuestran los estudios disponibles hasta el momento.
Mi interés radica en la conexión entre la matemática pura (la sucesión de Fibonacci y la razón áurea) y su manifestación en los seres vivos, lo que refleja una relación innata entre la naturaleza y lo que sentimos como bello.
2. Análisis del Contexto Natural
A partir de las fotografías realizadas en el Parque de Monterols y el Jardín de la Fundación Julio Muñoz Ramonet, he seleccionado las siguientes evidencias de la emergencia de esta forma:
- PARQUE DE MONTEROLS
Patrones de crecimiento y empaquetamiento, el corte de un tronco revela anillos y grietas que, en su desarrollo, siguen tensiones helicoidales, siendo cada helicoide un año de vida:
Asimismo, la estructura vertical del árbol muestra un crecimiento en hélice, permitiendo una distribución óptima de las ramas para captar luz.
- Jardín de la Fundación
Dinámica orgánica: En la fotografía se observa una palmera cuyas frondas y la disposición de su tronco sugieren el patrón de filotaxis espiralado.
En la fotografía, la hiedra trepadora utiliza zarcillos que se enroscan en hélice, una adaptación mecánica esencial para su supervivencia en el ecosistema del jardín.
3. Análisis del Contexto Antrópico (Humano y Cultural)
La espiral y la hélice también se manifiestan como una elección cultural y de diseño en las imágenes capturadas:
El diseño del paisaje «Pintoresco»: Los senderos sinuosos y curvos observados en el Jardín de la Fundación son una materialización del concepto de paisaje que busca imitar la naturaleza irregular. Estos caminos funcionan como una hélice expandida en el plano, guiando el trasiego humano de forma orgánica a través del espacio.
Interacción de fuerzas y arte: En la fotografía del Jardín de la Fundación , la presencia de una estatua clásica junto a un estanque representa el «mundo culto». Las ondas circulares generadas por el agua en movimiento son la manifestación “física” de una interacción de fuerzas que nacen de un centro generador, concepto relacionado a la expansión de la espiral.
4. Reflexión y Conexiones
Las relaciones detectadas en estas fotografías van más allá de lo puramente visual. La espiral conecta la eficiencia energética de una planta con la estética del diseño humano. He elegido esta forma porque permite entender el parque no solo como un objeto de contemplación «pintoresco», sino como un proceso vivo y entrópico.
Como menciona la «Cartografía de la forma», la espiral es una «empaquetadora» de espacio, tiempo, energía y belleza. En mi intervención, esta geometría me servirá para tensionar la percepción del entorno, uniendo la rigidez de la estatua (contexto antrópico) con la libertad de crecimiento de los árboles que la rodean (contexto natural).
Pública Vídeo laminación
Aqui mis bocetos fotograficos.
El cuerpo y su huella en el espacio
Introducción conceptual
Mi propuesta se inscribe dentro de la Estrategia 3 (El cuerpo y su huella en el espacio). Donde el cuerpo no aparece representado directamente sino a través de sus trazas, sus marcas, los vestigios que deja en los espacios que habita. La ausencia se convierte en presencia: el cuerpo se sugiere a través de lo que toca, lo que deforma, lo que moldea.
El primer referente es Salvatore Garau y su propuesta de las esculturas invisibles, piezas que existen sin materia física visible pero que generan un espacio mental y relacional en el espectador. Tomando este giro conceptual como punto de partida, el proyecto explora cómo el cuerpo puede estar presente en la escultura del siglo XXI a través de su negativo: la huella, el contorno, el vacío habitado.
También tengo como referente Antoni Tàpies, sus propuestas de ropas y la ausencia de personas. Su desplazamiento de lo pictórico a lo tridimensional. Su posicionamiento ético y su compromiso político, referente del siglo XX. La ausencia corporal, la presencia del mismo, su mensaje política, la segunda lectura en sus propuestas. Es lo que me atrae para este Reto.
La cama donde dormimos, la silla que usamos, la arena que pisamos: todos estos espacios guardan la memoria corporal de quien los frecuenta. Mi propuesta trabajará con los siguientes tres registros fotográficos que actúan como bocetos escultóricos.
Los tres bocetos
Boceto 1.- Huellas en la arena
El primer boceto trabaja con las huellas dejadas por el cuerpo en dos estados de la arena: húmeda y seca.
- La arena húmeda retiene la presión con fidelidad, esculpiendo el volumen exacto del pie, el talón, los dedos.
- La arena seca, en cambio, retiene apenas el contorno antes de ceder. Esta dualidad entre permanencia y desvanecimiento refleja la relación entre cuerpo y espacio: la huella como escultura efímera.
Conceptualmente, la huella no es el cuerpo, pero lo contiene. La playa como soporte escultórico no permanente; el tiempo y el agua como agentes que transforman y borran la pieza.
Ilustración 1. Dualidad permanencia/evanescencia: la misma acción corporal en dos estados materiales.
Boceto 2. Mesa, silla y plato
Este boceto explora la arquitectura “doméstica” del cuerpo ausente a través del espacio de la mesa. Una primera serie fotográfica muestra la mesa con sillas: el vacío del asiento convoca al cuerpo que habitualmente lo ocuparía. Una segunda serie agrega los platos, los utensilios, quizás para el acto de comer, multiplicando la posibilidad de presencia de varios cuerpos.
Este boceto dialoga con la tradición del bodegón y a la vez la subvierte: no se trata de representar objetos por su belleza formal sino de leer en ellos la huella social y relacional del cuerpo. ¿Quién se sienta aquí? ¿Cuántos cuerpos habitan esta mesa? El espacio doméstico como espacio político, como propone el enunciado de la práctica.
Ilustración 2.- La silla vacía como escultura del ausente; los platos como huella del ritual corporal.
Boceto 3. La cama donde duermo
El tercer boceto es el más íntimo y el que conecta más directamente con el referente de Garau. La cama es el espacio donde el cuerpo pasa un tercio de su existencia, donde descansamos, donde soñamos o atormentamos y más cosas. Las sábanas deformadas, la almohada hundida, el calor residual que la fotografía no puede capturar los volúmenes pero sí sugerir: todo ello conforma una escultura en negativo del cuerpo dormido. Me siento atraído por este tercer boceto. Ya que utilizando un elemento íntimo y cotidiano podemos transmitir muchas sensaciones, donde el espectador pueda imaginar, soñar, reflexionar.
La fotografía de la cama hecha o sin hacer es, en este sentido, el registro de una escultura invisible en los términos de Garau: la pieza existe aunque el cuerpo ya no esté. El espacio de la cama guarda la forma del cuerpo durante horas después de que este lo ha abandonado. El título del proyecto, «Habitación propia», rinde homenaje a Virginia Woolf y su reflexión sobre el espacio como condición de la subjetividad.
Ilustración 3. Detalles: la almohada para ser habitada y los pliegues como registro escultórico de la presencia o ausencia.
Boceto elegido y justificación
El tercer boceto, “la cama donde duermo” es la que creo desarrolla con mayor profundidad el concepto de escultura invisible en la línea de Salvatore Garau. La cama es el espacio donde la huella del cuerpo es más directa, más total: con la posibilidad de sugerir la forma entera del cuerpo queda “impresa” en las sábanas, como una huella efímera, pero repetible.
La referencia a “Una habitación propia” de Virginia Woolf permite articular una reflexión sobre el espacio como condición de la subjetividad y la identidad, conectando así las dimensiones política, social y artística que propone el enunciado.
davidcastro
En este reto me he inspirado por mi contexto actual. Me encuentro en Perú por razones personales. Encuentro a un país sumergido en la indignación de sus presidentes, y en la que la cámara de diputados decide explulsar al presidente y nombrar a uno nuevo. Todo ello dentro de unos procedimientos que se suponen están recogidos en las leyes del país. Todos los medios de comunicación le dedican tiempo y esfuerzo para relatar minuto a minuto la evolución de los hechos.
Con lo cual he decidio trabajar con la imagen «recurrente» y emotiva de una banda presidencial, mostrada en todos los medios. Para ello decido seguir la Estrategia 2: alteración de un objeto preexistente que debe seguir siendo reconocible. Uso dinero fuera de circulación que alteraré y daré tridimensionalidad y contenido, construyendo una banda presidencial. la cual reproduce los colores de la bandera nacional, y que es la que se coloca al recién nombrado presidente, así como tod@s l@s ministros.
Esta intervención como acabo de describir, consiste en sustituir la banda original por una franja construida con billetes reales (fuera de circulación). Estos serán grapados o pegados entre sí por los extremos, intentando darle volumen, creando una banda diagonal que sobresaldrá físicamente del soporte de cartón, con relieve y proyectando su sombra. De este modo, la pieza no será un collage plano, sino un objeto con presencia tridimensional. Que se sale de su marco, o sea, infringe las «leyes», se oculta entre bambalinas, pero muestra su verdadera intención. El poder como fuente de riqueza y apropiación del dinero público.
Una segunda alternativa/mirada es la de usar un maniquí y «vestirlo», para así colocar la banda presidencial/dineraria. Adiciónalmente, la ubicación «final» contextualizará el mensaje.
La banda seguirá siendo identificable, pero su material alterará su significado. El símbolo nacional será reemplazado por un símbolo económico desvalorizado, desplazando la lectura hacia la relación entre poder político, capital y fragilidad del valor. La operación es tanto física, cambio de material y construcción en relieve, como conceptual, redefinición del imaginario asociado al poder institucional.
Para resumir en términos de materialidad, el papel es delgado, flexible y frágil; su textura revela desgaste y memoria táctil. Aunque han perdido su valor legal, conservan una fuerte carga simbólica asociada al Estado, la soberanía y la confianza económica. Como señala la teoría del objeto en la escultura contemporánea, el objeto nunca es neutro: activa imaginarios culturales e ideológicos. Estos billetes encarnan poder, crisis, inflación y desvalorización. También, corrupción, malos manejos, y abuso de poder. Su colocación, no en un pedestal, sin utilizar el material «acostumbrado», desplazarse a un tema controversial y actual, con un antagonismo a lo usualmente presentado, como un monumento al poder y a la pleitesía. Al ser reconfigurados como banda presidencial, su dimensión económica sustituye al símbolo nacional, desplazando el significado desde la identidad colectiva hacia la fragilidad del capital, la sed de poder económico y la “teatralidad” del poder institucional.
Me pregunto ¿siempre se cae en la tentación?
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.