A continuación muestra las relaciones que he encontrado entre el contexto y mis referentes, y la intersección de estos para generar «mi semilla».
Para el caso de los referentes, estos están «ordenados» de izquierda a derecha, donde transcurre desde lo más cercano a mi semilla hasta lo más «lejano», que por estar lejos no es que no proporcione valor a la semilla. Ya que el objetivo de este último es crear el pensamiento en el espectador con la contemplación de la nada, y mi semilla, creo, pretende crear pensamiento pero con la contemplación de algo material.
En el siguiente diagrama (después de haber intentado varios), se puede observar las interrelaciones de todos los generadores e influenciadores de mi semilla.
Dentro del Contexto Artístico, he posicionado mis Referentes, y así poder integrarlo todo en un solo gráfico.
El presente texto, tiene como objetivo, nombrar los referentes más destacados, así como, en qué contexto se enmarca mi “futuro” trabajo para la asignatura de Proyecto I.
He de decir que he entrado en un mundo desconocido, ya que siempre he trabajado en dos dimensiones, y no se me había pasado por la cabeza abarcar algo tridimensional. Me explico, durante la elaboración de la PEC 1, de esta asignatura, realicé muchísimas fotos, casi 400 (sí, a veces exagero). Y ninguna me inspiró un tema para plasmarlo en dos dimensiones. De manera casual, me doy cuenta que al revisar las diferentes fotografías, encuentro en muchas de ellas un elemento “común”, y el que se mira (si es que se mira) de manera indiferente. Ello son las “aceras/adoquines”. Llego a la conclusión que es un elemento constante en las vidas de las personas, sobre todo, para habitantes de ciudades, 70% de la población mundial vive en ellas.
Se quiera o no, siendo conscientes o no, ellas (las aceras), ellos (los adoquines), nos acompañan, diariamente. Con los pensamientos que podamos tener en esos momentos, dirigiéndonos a un lugar concreto, o no, en soledad o en compañía. Así que para la primera PEC, utilizo como semilla un Collage de diversas fotos mostrando la diversidad de adoquines que nos encontramos, y que por otro lado, no mucha gente se percata de este hecho.
IMPLICACIONES SOCIALES, HISTÓRICAS
Desde el punto de vista estético y de conservación, podemos dedicarle varios folios, así como las responsabilidades directas e indirectas de los responsables de las mismas. A parte de observar un constante movimiento de “mantenimiento”; casi todas las ciudades están en obras, con más o menos acierto, pero bajo el “sufrimiento” de transeúntes. Quienes reaccionan de manera explícita, o no, ante esta circunstancia. En algunos casos, genera accidentes (y lo menciono por experiencia propia). Pero, creo, esto lo “piensa” la gran mayoría.
Pues, lo que pretendo, es que se “piense”, algo de lo que no se es consciente. Y cuando lo piensas, recién caes en la importancia de las “aceras/adoquines”. Generándose ese pensamiento al momento de hacerlo evidente, y no haberlo tenido antes, o reflexionado en esta evidencia.
Creo que el tema está más, en la sicología y en el inconsciente de las personas. La puesta en escena de este tema, genera “pensamientos”, positivos, negativos, amorosos, penosos, otros. Y que en realidad, forman parte de nuestras vidas, cada día, y así será hasta el final de nuestros días.
REFERENTES
Hace ya unos años descubrí a un artista, provocador él, quien era autor de escultura invisibles, Salvatore Garau. Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].
Otro referente, en línea con la idea de las “aceras/adoquines” es Sol Le Witt[3], quien se enmarca dentro del arte conceptual e instalaciones murales, enfocándose más en lo material y en el proceso, que en el mensaje.
Pero donde él deja que los materiales tradicionales hablen por sí mismos, y demostrar así su vulnerabilidad, decadencia, obsolescencia, y destrucción[4].
En una línea parecida, se encuentra Carlos Garaicoa, en sus Epifanías, trabaja con las alcantarillas, “para mí la ciudad es un punto de encuentro de multitud de cuestiones y es lo que quiero plasmar … es el sitio donde confluye todo el pensamiento, toda nuestra bondad, nuestra maldad, y nuestras necesidades”[5].
El espacio urbano como protagonista, ofreciendo una imagen poética de la ciudad.
El sábado pasado (8-4-2023), he vuelto a visitar la Sagrada Familia, y me encuentro con lo siguiente: un mosaico hexagonal de la Casa Milá con elementos decorativos en relieve.
He investigo, hasta llegar a La Pedrera, donde encuentro lo siguiente:
“A finales del siglo XIX se popularizaron en Catalunya los pavimentos de pequeñas piezas de cerámica, para sustituir las baldosas de barro cocido que se habían utilizado hasta entonces. Con estas pequeñas piezas de cerámica trabajó Gaudí hasta que descubrió el mosaico hidráulico, que le permitió diseñar auténticas alfombras pétreas de colores.
Antoni Gaudí comenzó a diseñar unas piezas de mosaico hidráulico para la Casa Batlló; debido a la tardanza en la fabricación de Escofet y CIA por la complejidad del diseño, las terminó colocando en la Casa Milà (La Pedrera).
Con esta pieza hexagonal creó una composición decorativa gracias al dibujo en relieve del pavimento y el color verde nefrita. Son necesarias un total de siete piezas para leer las alegorías al mundo marino, y podemos reconocer la rotunda espiral de un ammonites, la estrella de mar del tipo ofiroideus y el triangular despliegue de un alga, perteneciente quizá a la familia del sargassum.”[6].
En este caso Gaudí, pretende dar mensajes, utiliza a artesanos, trabaja con volúmenes, gravedad, y materiales que no se habían utilizado a la fecha, o en su caso, con otras funciones. El mensaje está dirigido a las personas que contemplen estos trabajos, para generar satisfacción y percepción de vida. Así mismo, su relación emocional con la religión es no solo de fe, sino también que, la creación había producido un mundo explicado por la geometría.
Antoni Tàpies, en un momento de su creación artística, convierte la pintura en un objeto, adquiriendo un carácter escultórico. Llenando de mensajes relacionados con su posición política y su profunda catalanidad. La siguiente es una foto realizada en una visita a su Fundación/Museo el pasado mes de febrero:
COMENTARIOS FINALES
No pretendo que mi semilla genere un tema filosófico, pero sí, cotidiano y desconocido hasta el momento de la evidencia y reflexión de las personas que contemplen la obra.
[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.
Esta obra la visité hace ya muchísimos años en Nueva York. Y este pasado año (2022), contemplé un tapiz en tela, en el Museo Picasso de Málaga (ver anexo 1).
Marca muchos inicios, entre ellos, la primera pintura “cubista”. Influenciado por la exposición de Arte Primitivo Africano que visitó Picasso en París, “… descuida la perspectiva y las relaciones de las diversas partes del cuerpo entre sí; las proporciones individuales no corresponden a la lógica de la apariencia natural… renuncia conscientemente de la técnica pictórica profesional. En su lugar, contrapone de manera cruda los contornos, líneas y superficies de colores, con el objeto de evitar toda semejanza con la representación de un ser humano verdadero y existente… habría experimentado así una liberación casi exorcística a través de un intenso proceso de trabajo que culminó en ese cuadro”[2].
También hay una liberación o catarsis de sus experiencias sexuales en aquella casa de “citas”. En algún momento oí que la mujer que está en el centro de la pintura era su mujer, pero no he encontrado confirmación de este hecho en los textos “especializados”.
Título original: Les Demoiselles d’Avignon
Año: 1907
Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Óleo sobre lienzo (243.9 × 233.7 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. Picasso utiliza “principalmente” el rojo y moviéndose hacia el naranja-amarillo para la piel de las “señoritas”. Las sombras las logra quitándole valor al rojo. Y en algún caso, utilizando su complementario para aquellas. Este complementario (verde-azulado), también se utiliza en uno de los rostros.
– Analogía cromática. Se mueve en colores adyacentes, del rojo hacia el amarillo, cambiando ligeramente el tono. Pero entre estos, del mismo tono.
– Interacción entre complementarios. En algún momento utiliza los complementarios para marcar el perfil de las señoritas. En aquella época se discutía mucho acerca de este hecho.
– Temperatura cromática. Principalmente, Picasso, se mueve en los colores cálidos. Y tiene un “rol” secundario, los colores fríos.
Tuve en casa un “afiche” (con medidas originales) de una de sus obras elaboradas en Marruecos, que me acompañó durante casi 30 años, “Paisaje desde una ventana” (ver anexo 2).
El cuadro elegido es uno de una serie de retratos que elabora Matisse en ese año que visitó Marruecos (dos veces, inicios 1912, invierno 1912-13).
Respecto a la pintura, comenta Marcel Sembat[4], se le ve la gran “maldad” al retratado, así como su cara angular y ferocidad.
Matisse es reconocido como uno de los precursores del movimiento Fauvista. Siendo este movimiento, no solamente una liberación de potenciales expresivos, sino también una suerte de dispositivo disparador que permite establecer nuevas relaciones entre la experiencia visual y su traducción formal”[5].
Título original: Le rifain debut (The standing Riffian)[7]
Año: 1912.
Museo: Hermitage (Rusia)
Técnica: Óleo re lienzo (146.5 × 97.7 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. Matisse, en este cuadro, transita por dos colores, principalmente, el verde-azulado y el azul-violeta. Como si dividiera el mundo (el cuadro) en dos colores. Para luego utilizar el naranja-amarillo en el rostro. Se observa que la pared en están más apagados, que el elemento principal del retrato, que son las ropas. Resaltando estas últimas, a pesar de no tener un gran contraste.
En la vestimenta, realiza una “tríada” de amarillo-naranja, naranja-rojo y azul-violeta, el cual se repite a los lados y, sobre todo, en el centro del mismo. Esa tríada está dentro de manchas amarillas de tonalidad clara.
– Analogía cromática. Transita del rojo-naranja, al naranja-amarillo, en el mismo tono, para luego bajar, aclarándolo con blanco.
– Interacción entre complementarios. El rojo-naranja y el verde-azulado, es utilizado en los bordes para definir las sombras de la vestimenta. Y el blanco en la izquierda del cuadro, para contrastar e iluminar ese brazo, y el hombro lado derecho (hombro izquierdo de la figura).
– Temperatura cromática. Básicamente, se mueve en la gama de colores fríos. Con ligera participación de cálidos, amarillo-naranja.
Vincent Van Gogh. Naturaleza Muerta con Girasoles.
En el año 1889, Vicent Van Gogh, vivía en “La casa amarilla” en Arlés, y esperaba a Paul Gauguin para formar un círculo de artistas (y hacer economías con los gastos de alquiler y otros). Y preparaba la habitación de aquél, adornándolo con esta pintura.
En realidad, Van Gogh pintó cuatro versiones de girasoles, e hizo tres copias de cada una de ellas[8]. Firmando solo dos de las “originales”, que le pareció más ajustado a lo que buscaba. La línea “roja” que divide la pared del suelo en “Jarrón con 14 girasoles” fue hecha por Paul Gauguin, durante su convivencia con Van Gogh.
Arlés está en la Provenza francesa, siendo una característica de la zona su sol radiante. Pero cuando llega hacía mucho frío y pronto empezó a nevar. Este cuadro, es una alegoría a la evolución de “vida” que tiene un girasol.
“La paleta que utiliza aquí es casi la misma que la del lienzo de Otterlo, aunque ha prescindido de la línea roja circundante.” [9].
Título: Naturaleza muerta con girasoles[11], también conocido como “Jarrón con 14 girasoles”.
Año: 1889.
Museo: Ámsterdam, Rijksmuseum Vincent Van Gogh (Fundación Vincent Van Gogh)
Técnica: Óleo sobre lienzo (95 × 73 cm.)
– Utilización de un solo color o paleta reducida. El color predominante en la pintura es el amarillo. Es el color que “envuelve” al motivo principal del cuadro (quizás como símbolo de alegría y felicidad). Moviéndose por el amarillo-naranja con reducción del valor (podríamos decir Ocre). También utiliza el verde, verde-amarillo, en diferentes tonalidades, apagándolo poco a poco, para los tallos.
– Analogía cromática, transitando por sus adyacentes, tanto por el verde-amarillo, como el naranja-amarillo. Llamadas también combinación análogas.
– Interacción entre complementarios. Utiliza, en un caso, el rojo-violeta, complementario del verde. Y también el violeta, complementario del amarillo. Para los contornos de la maceta, y el borde entre el suelo y pared (línea pintada por Gauguin).
– Temperatura cromática. Transcurre entre un sutil frío y cálidos, verde-amarillo, amarillo, naranja-amarillo.
SEGUNDA PARTE: INVENTARIO DE COLOR Y CONSTRUCCIÓN DE NUESTRA PALETA
Obra pictórica elegida: Johannes Vermeer, “La chica de la Perla”.
Como homenaje a Vermeer, y a la exposición sobre sus obras en el Rijksmuseum en Amsterdam-Países Bajos (cuyas entradas están agotadas desde el año pasado).
Inventario proporcional de color. Utilizando el programa GIMP.
A groso modo, y simplificando las tonalidades de los colores, el siguiente sería el inventario propor-cional.
He omitido mencionar el color de fondo: negro, que a su vez, es el que más proporción tiene.
A continuación los valores RGB del inventario de color utilizando el programa de edición de imagen GIMP.
[3]“Se trata de una región tradicionalmente aislada y desfavorecida. El idioma materno de la parte oriental del Protectorado del Rif es el «bereber rifeño» o tarifit (provincias de Alhucemas, Driuch, Nador) y, el de la parte occidental (provincias de Fahs-Anyera,Larache, Chauen) es el árabe dialectal. Tienen gran presencia el francés y el español, que constituyen las principales lenguas extranjeras.”https://es.wikipedia.org/wiki/Rif, consultado el 31-01-2023.
[10] Foto realizada con iPhone13, modificada saturación. Del original: Van Uitert (1990, 193). En realidad esta es la copia del lienzo de Londres, probablemente el más importante de los dos originales
1.1. Realizar un círculo cromático de 12 colores y su escala de valor.
Preparación de los materiales y dibujo del círculo:
.
Elaboración de la paleta con colores primarios, secundarios y terciarios (mezclas cromáticas sustractivas)
Creación de la escala de valor. Iluminando u oscureciendo los colores.
Primero la luminosidad con blanco.
Luego oscureciendo con negro.
Acabo el «primer intento» de círculo cromático, y me doy cuenta de la oscuridad del mismo. Así que decido volver a hacerlo pero esta vez con un «círculo cromático» de guía.
Resultado segundo intento:
Resultado Final:
1.2. Realizar 6 círculos de intensidad cromática o escalas de saturación.
Proceso:
Finalmente he decidio trabajar esta parte con espátulas, ya que el gramaje del papel que estoy utilizando, no ayuda a deslizar el pincel sobre él, con lo cual tengo que cargar más pintura en el pincel (también podría humedecer el pincel…).
Con las espátulas, la cargo y cubro toda el área a pintar. Utilizo dos, una para hacer un primer «manchado» y el segundo para definir los bordes. Tengo la sensación de haber logrado más nitidez y uniformidad. Quizás la combinanción del gramaje con la velocidad del secado del gouache/témpera, no me ha ayudado a tener una mejor resolución del presente trabajo.
Vuelvo a los pinceles:
Resultado final:
SEGUNDA PARTE: Síntesis aditiva (colores luz).
Aquí reportaje fotográfico de los pasos seguidos para lograr el círuclo cromático en GIMP.
Resultado final del círculo cromático usando Gimp.
Laborioso, y necesitas estar pendiente de «muchos» pequeños detalles. Pero el video tutoríal, muy bien explicado.
Es cierto que para usar el degradado de grises «externo» se necesita paciencia para incorporarlo y poder usarlo.
Resultado muy interesante. Al final, manejas la herramienta con comodidad.
Anexo.-
Manchas con espátula usando el gouache sobrante (en proceso).
He visualizado varias de las entrevistas del programa Desatados. Todas me han parecido muy interesantes, por las historias que cuentan y como su arte pasa por un proceso de maduración y finalmente de coherencia en el tiempo.
De los artistas que he disfrutado con su narrativa, ha sido Michele del Campo, quien afirma contar historias, momentos de la vida, salir a la calle, viajar, descubrir nuevas realidades. Y me siento identificado, sin llegar a producir el arte de Michele, por supuesto, pero es lo que he hecho en el transcurso de mi vida y también de mi arte. Algo que resalta, este artista, es la de oxigenarse para no repetirse, incluso que «descansa» tres meses después de una exposición, en donde solo usa su cuaderno de bocetos para tomar apuntes. Finalmente, los resultados que obtiene (donde crea imágenes y cuadros) no te dejan indiferente.
Uno de los pintores que admiro, por muchas razones, es Paul Gauguin. Quien también sale de su zona de «confort» y viaja lo más lejos posible y huye de la «ciudad» para internarse en comunidades y vivencias muy diferentes a la sociedad de aquel momento. Cuenta historias, y no deja indiferente a nadie, o causando asombro o pavor. Brillante.
Continuando con el estilo podríamos decir que son los impresionistas los que «salen» de los talleres y empiezan a contar historias de la ciudad, de las gentes, de las fiestas. También cambiando el estilo pictórico y la técnica (a la prima). Rompen las reglas del momento, y crean la exposición de los Rechazados, «rechazados» por la corriente oficial/artística de ese momento. Y así nace un movimiento no solo pictórico, sino también literario y musical.
Creo que continuaré visualizando las entrevistas, que son muy interesantes.
2002-08 Llama en la ciudadela de Machu Picchu. Cusco.
La llama es un animal representativo de la cultura peruana, en la foto se muestra imponente dentro de la ciudadela de Machu Picchu.
Machu Picchu, se encuentra en la cadena montañosa de los Andes, a 2.400 metros sobre el nivel del mar. En el año 2007 fue declarada como una de las nuevas siete maravillas del mundo moderno.
2002-08 Autoridades en Fiesta Patronal en la Isla Taquile – Puno.
La Isla se encuentra en medio del Lago Titicaca, a 4.100 metros sobre el nivel del mar.
Las autoridades visten ropas de color negro y están sentadas en sillas, mientras sus parejas lo hacen en el suelo. Separados del resto de los habitantes de la isla.
2002-08 Fiesta Patronal y tumbada de la Yunza en la Isla Taquile – Puno.
“La Yunza, es una celebración ritual muy antigua, practicada en todo el Perú, en el cual los asistentes deben bailar, rodeando al árbol, esperando a que el árbol con los regalos caiga por medio de machetazos. Según la cosmovisión andina tiene una representación sexual del hombre (árbol) y la mujer (tierra). El significado de la caída del árbol al suelo es rendirle tributo a la Pachamama”. Wikipedia.
2002-08 Isla de los Uros en el Lago Titicaca – Puno.
La Isla de los Uros, está hecha con totora, que es una planta acuática que crece en el Lago Titicaca. Y está habitada por pobladores que han adaptado sus vidas a las condiciones que puede ofrecer estas ciudades flotantes.
Una de sus fuentes de generación de valor es el de ofrecer productos artesanales a los turistas que visitan las islas.
2002-08 Mujer vendedora en la Isla de los Uros – Puno.
Vendedora, oriunda de la Isla flotante de los Uros, con sus productos a la venta, para los turistas. Detrás de ella, se encuentra su vivienda, también se observa, a lo lejos, tanque de agua dulce. Todo ello a una altitud de 4.100 metros sobre el nivel del mar.
2002-08 Niña a contraluz. Sacsayhuaman-Cusco.
En las afueras de la ciudad, en la fortaleza de Sacsayhuamán. Luciendo el sombrero típico de su pueblo, y posando para los turistas, a cambio de una propina.
Su rostro muestra lo duro de la climatología andina, mucho frío y heladas, así como sol constante durante el día, y con un alto grado de radiación.
2002-08 Niñas vendiendo maíz. en el Valle Sagrado de los Incas. Pisac-Cusco.
El Valle Sagrado de los Incas, acompañado por el río Urubamba, recorre uno de los caminos desde la ciudad del Cusco hasta la ciudadela de Machu Picchu.
En este caso, dos niñas (o una niña y su madre), vestidas con sus ropas de fiesta, así como sus sombreros (distinguiéndose por los colores de los flecos), ofrecen distintos tipos de maíz a los turistas.
2002-08 Valle Sagrado de los Incas – ciclista con poncho rojo. Ollantaytambo. Ataviado con prendas “festivas”, y así posar para los turistas, a cambio de una propina.
Otra vez, el sombrero es singular, y el poncho le va pequeño.
9. 2007 Niña Piedra de 12 puntas – Cusco.
Niña posando para los “turistas”; detrás de ella, la piedra de 12 puntas. Su vestido es el utilizado en las fiestas del pueblo. Los sombreros utilizados varían según su lugar de procedencia, tanto en forma como en colores.
2022 Rosa en Arequipa.
Rosa, posa con rostro serio a las cámaras de los turistas, a cambio de una “propina”. Le cuesta explicarse, ya que su lengua materna es el quechua, y su español es limitado.
“Baja” desde el Cusco hasta Arequipa para “que la retraten” y así tener un ingreso.
Su rostro está curtido por las inclemencias del tiempo, y la sonrisa se le ha “acabado”.
Comentarios acerca de la “Lección inaugural curso 2018-19 con Cristina de Middel”.
A continuación intentaré dar mis apreciaciones acerca de esta lección inaugural a modo de entrevista realizada a Cristina de Middel.
Sobre la formación profesional y el proceso de aprendizaje
Antes de nada hay que puntualizar la formación que Cristina ha tenido durante su proceso creativo y como artista. La tiene en arte y fotoperiodismo, entre otras, que de una manera u otra construyen los cimientos de su carrera, aunque no compartía ni entendía los trabajos finales de carrera de sus compañerxs, ella ya se posicionaba como contadora de historias pero de manera gráfica, a manera de comics, los que luego cambia por la fotografía (y siempre metidas en cuadritos). Pero se hace crítica y se posiciona, y dice “no tragarte sin cuestionarnos”[1]. Con lo que logras “formarte como personas que piensan”[2].
Sobre la verdad.
Hay una evolución en su vida profesional, que es su etapa de fotoperiodista, en la que le interesa contar lo que pasa en el mundo. Pero tampoco le termina de convencer. Ya que tiene la “necesidad de hablar en primera persona y de no ser neutral, y de posicionarse”[3]. Y se da cuenta de que la información que se da a las masas, al mundo, está muy mal explicada; donde la verdad no se sabe dónde está.
Sobre la era de la imagen
Cristina afirma que el mundo se dirige a una era de la imagen y donde el texto cada vez será menos[4]. Y la necesidad de “formarse” para tener una actitud crítica a la hora de consumir imágenes. Saber que un periódico, un telediario, “pretenden” contarte algo desde su óptica, que no necesariamente es objetiva ni mucho menos.
Sobre la verdad construida
Cristina pone de manifiesto que los artistas creadores fotógrafos, construyen verdades. El momento del disparo es consciente y meditado, haces una pre-composición, priorizas, y buscas ¿lo más impactante?. Para luego pasar por múltiples filtros hasta que se decide qué foto publicar, llegados a este punto, podríamos decir ¿cuánto de manipulación ha pasado esta imagen?
Sobre la búsqueda de Cristina
Afirma buscar arquetipos, clichés, estereotipos; para quien consume la imagen tenga más contexto del momento decisivo. “El fotógrafo es un súper comunicador”[5], que controla una herramienta, y que traduce cosas que ve que piensa y que comunica, sin jugar al engaño. En su obra “Afronautas” juega con la verosimilitud del acontecimiento y los estereotipos y prejuicios de parte de la sociedad.
También propone imágenes que van a contracorriente, como su trabajo sobre la masculinidad en India, y se pone al lado del “otro”. Generando controversia en la “otredad” de la sociedad.
Siempre busca que el mundo la entienda, y usa un lenguaje accesible al público.
Todo ello le obliga a estar “pensando” todo el rato. Y así evitar ser un títere de las circunstancias. Por ello propone incitar a la gente a hacerse preguntas, más que ofrecer respuestas.
Como conclusión
Actitud crítica respecto a lo que consumimos, ya sea imágenes, o noticias, o textos. Y así evitar la manipulación, evitando ser títeres de las circunstancias. Y entraremos a la era de la alfabetización visual, para entender las distintas aristas que puede tener una imagen. Donde el rol de los artistas visuales, como la fotografía, será muy influyente y determinante.
Pública 
ica elegida: Johannes Vermeer, “La chica de la Perla”.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.