Espacio Personal

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COLECTIVA: “IDENTIDAD Y SU INTERPRETACIÓN EN EL MUNDO ACTUAL” con SOFÍA MONTENEGRO

Las obras de arte a exponer son las siguientes:

[2] https://www.google.com/search?q=Ana+Teresa+Barboza&sca_esv=e11a3816d0bf0ea3&sca_upv=1&rlz=1C5CHFA_enES813ES813&biw=1137&bih=603&sxsrf=ACQVn0_YiM5XsQmrCP97BLFpzjzgLIrcuw%3A1712598748573&ei=3C4UZsbFIdmO9u8P9oi6-AE&ved=0ahUKEwjGo7PAl7OFAxVZh_0HHXaEDh8Q4dUDCBA&uact=5&oq=Ana+Teresa+Barboza&gs_lp=Egxnd3Mtd2l6LXNlcnAiEkFuYSBUZXJlc2EgQmFyYm96YTIFEC4YgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyBRAAGIAEMgUQABiABDIFEAAYgAQyFBAuGIAEGJcFGNwEGN4EGOAE2AEBSJ4eUKQMWKQMcAF4AZABAJgBswGgAbMBqgEDMC4xuAEDyAEA-AEB-AECmAICoALJAagCCsICBxAjGOoCGCeYAwq6BgYIARABGBSSBwMxLjGgB4MI&sclient=gws-wiz-serp

[3] https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/arte_internacional/20050519/adriana-varejao/10499622_0.html

[4] https://uvuvuv.com/es/artist/z-amalia-pica-3/ 

 

 

Sofía Montenegro – Peers – análisis comparativo de artistas invitadas

ANÁLISIS COMPARATIVO DE LAS ARTISTAS.

Artista Técnica Narrativa
Sofía Montenegro Fotografía, sonido, performance y la instalación identidad, la memoria y la historia personal y colectiva
Ana Teresa Barboza arte textil Identidad, relaciones humanas, la intimidad y la vulnerabilidad
Adriana Varejão pintura, escultura e instalación Identidad y legado colonial
Amalia Pica performance, escultura e instalación Relacionamos unos con otros y con nuestro entorno

Un análisis cruzado de coincidencias y diferencias sería el siguiente:

Con lo cual las cuatro tienen una narrativa común.

Sofía Montenegro – Espacios y Discursos

Hay varios espacios que en estos momentos se me ocurren donde se podría realizar la exposición. A continuación muestro estos:

 

TIpo Lugar Razonamiento

Score

MUSEOS Museo Reina Sofía (Madrid) reputación internacional y su experiencia en la presentación de exposiciones innovadoras podrían brindar un contexto sólido para la exhibición

2

MACBA (Barcelona) proporcionaría un entorno estimulante para la exploración de temas complejos

3

Centros de Arte Centro de Arte Contemporáneo de Málaga espacio acogedor y accesible para el diálogo sobre la identidad en el mundo actual.

5

Residencias Hangar – Centro de Producción e Investigación de Artes Visuales (Barcelona) brinda apoyo a proyectos artísticos experimentales y colaborativos, proporcionando espacio y recursos para que los artistas desarrollen su trabajo.

1

Matadero Madrid (Madrid) alberga residencias artísticas, exposiciones, eventos y actividades relacionadas con diversas disciplinas artísticas

4

Notas.- El score propuesto es subjetivo, y pensado desde el punto de vista de la facilidad para realizar este tipo de exhibición. Trámites burocráticos y probabilidad de éxito. Se han excluido las galerías por tener una gran cantidad de estas que habría que hacer una investigación más profunda y con más tiempo.

También se podría pensar en lugares a nivel internacional. Por ejemplo: Tate Modern (Londres, Reino Unido), Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, Estados Unidos), Centre Pompidou (París, Francia). Son unos de mis museos favoritos, pero desconozco los procedimientos que hay que realizar para poder montar una exhibición como la que estamos pensando.

Sofía Montenegro – Actividades para realizar exhibición con peers – Investigación y Selección de Artistas

  1. Investigación y Selección de Artistas:

Al investigar a Sofía Montenegro, su estilo artístico, obras, técnicas, temáticas y su contexto. La búsqueda de los peers debería centrarse en artistas que tienen el arte contextual como background para su producción artista. En ellas se pueden detectar instalaciones, sonido, luz, elementos naturales o artificiales. Donde, también, el público pueda participar en la misma.

 2.  Investigación y Selección de Artistas

Una primera investigación de posibles artistas que compartan espacio para una exposición podría ser:

  1. Olafur Eliasson: realiza principalmente instalaciones que exploran la observación, el movimiento y la luz. Sus obras incorporan elementos naturales, como agua y aire, y buscan involucrar al público. Sitio web oficial: https://olafureliasson.net/
  2. Rafael Lozano-Hemmer: Este artista mexicano-canadiense crea instalaciones interactivas que utilizan tecnología para permitir que el público participe y finalmente controle la obra. Sus piezas exploran temas como la vigilancia, la memoria y la relación entre el individuo y el entorno urbano. Sitio web oficial: https://www.lozano-hemmer.com/
  3. Anish Kapoor: Famoso por sus esculturas monumentales que desafían a los espectadores sus percepciones y la gravedad. Sus obras, creadas con superficies reflectantes y curvas, invitan al público a interactuar y explorar su relación con el espacio y el tiempo. Sitio web oficial: https://anishkapoor.com/
  4. Tomas Saraceno: Conocido por sus instalaciones que exploran la arquitectura y la ecología, Saraceno crea estructuras inflables y redes suspendidas que desafían la percepción tradicional del espacio. Sus obras invitan al público a caminar, saltar o incluso volar dentro de ellas. La galería que lo representa: https://www.tanyabonakdargallery.com/

Al analizar su biografía encuentro que no son contemporáneos con Sofía. Son personas mayores por mínimo 10 años o más. Con una dilata experiencia y exposiciones internacionales, las que de una u otra manera «opacarían» el arte de Sofía.

Así que realizo una nueva investigación con artistas latinoamericanos con impacto internacional y artistas contextuales, también. Y esta sería la lista:

  1. Ana Teresa Barboza (Perú): es una artista textil contemporánea que crea obras intrincadas y detalladas que fusionan bordado, tejido y otros medios para explorar temas como la identidad, la naturaleza y la memoria.
  2. Adriana Varejão (Brasil): Conocida por sus pinturas e instalaciones que exploran la historia colonial de Brasil y las culturas híbridas resultantes de la mezcla de razas y tradiciones, Varejão crea obras que cuestionan la identidad y el poder.
  3. Doris Salcedo (Colombia): es una escultora y artista conceptual cuya obra se centra en la memoria, el duelo y la violencia política. Sus instalaciones a menudo utilizan materiales cotidianos y objetos encontrados para abordar cuestiones sociales y políticas.
  4. Teresa Margolles (México): es una artista conceptual cuyo trabajo se basa en la investigación de la violencia y el trauma en América Latina. Sus instalaciones y obras participativas reflexionan sobre la muerte y la desaparición, así como sobre la fragilidad del cuerpo humano.
  5. Amalia Pica (Argentina): es una artista visual cuya obra se centra en la comunicación, la interacción y la participación. A menudo utiliza elementos como la performance, la escultura y la fotografía para explorar cómo nos relacionamos unos con otros y con nuestro entorno.

Esta lista de artistas estaría más cercana a Sofía, la gran mayoría se enfoca en temas identitarios y contextuales.

PEC 2-FASE 1: SEÑALAR UN PUNTO

  1.- STATEMENT

Llevo tres años estudiando arte en la UOC, y cada asignatura es y ha sido una entrada a mundos desconocidos y trascendentes. La performance y sobre todo el arte contextual me ha generado una reflexión profunda acerca de mi arte y del arte. En el sentido de la utilidad y la necesidad de una comunicación permanente con el estado actual de las cosas y de las personas (nuestro contexto). Que en estas últimas movemos no solo la satisfacción o el placer inmediato durante la contemplación de una obra de arte, sino, la de activar el pensamiento y empujar a la acción. Convirtiendo tu arte en movimiento constante para cualquier persona que la contemple.

Estoy muy sensibilizado por los sucesos de las guerras de nuestros días, ya que el haber comprendido que la evolución de la humanidad ha transitado por ellas, y de que a la fecha no hayamos encontrado otra manera de solucionar las diferencias, me hunde el pensamiento. Cada día tenemos más conocimiento, estamos en la era del nacimiento de la Inteligencia artificial, pero no hemos sido capaces de aplacar la ira de la humanidad.

Soy un ferviente seguidor del arte desde los años 90’s, en todas sus disciplinas, y he dedicado tiempo a nutrirme de ella en diferentes países de oriente y occidente. Nací en Lima, viví allí 28 años, aprendí que los Incas eran muy hábiles en el “arte de la guerra”, y que su manera de expandir su territorio era aliándose y mezclando las familias “dirigentes” de ambas partes. Estudié, también, que la forma de ganarle al enemigo era, haciéndole caer el casco o sombrero, entendiendo que ese suceso bastaba para rendirse… luego “aprendieron” que ganabas una guerra hasta “matar” al oponente.

Hace no más de un año descubrí la escultura invisible, la que se enfoca en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento. Y creo, es también un desplazamiento hacia el arte contextual, donde nos desplazamos de lo etéreo e inexistente directamente a nuestro mente.

Es este el contexto que influye la creación que me ha seducido para avanzar en mi arte y en esta asignatura.

2.- BIOGRAFÍA

Nací en Lima (Perú) y vivo en Barcelona hace 36 años. Soy ingeniero economista de profesión, y me inicié en el mundo del arte en 1992. He desarrollado mi arte de forma autodidacta, adquiriendo numerosos libros, además de visitar los museos más emblemáticos de Europa, Estados Unidos, Sudamérica, China y Japón.

En cuanto al estilo tengo que decir que he pasado por varios, principalmente por el proceso de aprendizaje y experimentación. Empiezo una etapa muy colorida, donde hago diez óleos de islas griegas (Mykonos, Creta, Santorini). Tengo un periodo dedicado a Miguel Ángel donde utilizo pastel, carboncillo y óleo; me enfoco en las figuras relevantes de la Capilla Sixtina. Viajo por los mundos de Vincent Van Gogh, a quien dedico años de investigación sobre su vida, su técnica, las ciudades francesas (belgas) donde vivió y murió. He ejecutado varias copias de sus cuadros más conocidos, con los que logré acercarme a su mundo del color y la fuerza de sus pinceladas.

Kandinsky ocupa mi tiempo durante un año, con dibujos inspirados en su arte. Hago copias e interpretaciones de sus pinturas. Su mundo geométrico me seduce y me introduce en un lenguaje rico e interminable. Rembrandt ha ocupado mi formación artística en 2019, así como con clases semestrales en una “Academia” de arte en Barcelona.

Paralelamente, la fotografía es mi compañera inseparable, en mis viajes, mi vida diaria y en mis pinturas. En los últimos 35 años he ido cambiando los escenarios, siendo el  mes de diciembre de 2022, mi última sesión de fotos de personas autóctonas en Arequipa-Perú. Y los atardeceres del Océano Pacífico este pasado mes de enero del 2024.

Tanto en mi dibujo-pintura como en mi fotografía las personas juegan un papel fundamental. Como documento de vida, expresión de «sentimientos», deseos y sueños. Los paisajes también, y principalmente el mar.

Hice mi primera exposición individual en el año 2000.

3.- ABSTRACT – DOS PROPUESTAS.

En el transcurso de este semestre me estoy enfocando en las intervenciones públicas pero con objetivo de desplazamiento de estas al pensamiento y quizás a la acción.

1.- La primera intervención “pública” que propongo es el de realizar una especie de performance en un colegio y la otra en un aeropuerto. Con el objeto de concientizar a las personas del riesgo de tener una guerra y sufrir ataques en esos lugares.  Y que estos lugares estén llenos de niñas y niños sufriendo las consecuencias de estos ataques.

Esta intervención pretende poner en evidencia el riesgo de guerra en el que estamos, y que las imágenes que vemos en los medios de difusión puedan llegar a suceder en los mismos lugares donde habitamos.

Situación que poca gente lo hace, pero si lo comentas, hay una reacción y un mimetismo con las personas que sufren en estos momentos estos ataques.

Colocar en la salas Vip de los aeropuertos, muñecas, muñecos bebés, salpicados de acrílico rojo.

Colocar delante de las puertas de entrada a los colegios muñecas, muñecos bebés, salpicados de acrílico rojo. Esta es una de las situaciones más comunes en los “teatros de operaciones” de las guerras. Ya que la estrategia de los soldados en guerra es el de utilizar los lugares públicos y llenos de civiles, para refugiarse, “suponiendo” que estos lugares no serán atacados.

A saber, colegios, hospitales, iglesias.

2.- La  segunda propuesta es la de erigir una escultura invisible con títulos relacionados con un bombardeo en ése lugar. Con lo cual solo hay que colocar un atril con el título de la obra. Siendo el autor anónimo. Como por ejemplo: ver figura a continuación.

Hay varios temas a comentar, el título, es una bomba incendiaria muy utilizada en las actuales guerras, producida por los EEUU de NA.

El autor, creo, no hace falta, así como los muertos que visualizamos en nuestro pensamiento son desconocidos, en este caso también.

El espacio que sea suficiente para dejar que nuestro pensamiento visualice el bombardeo. También lo podríamos extender a 50-100 m2, que es la onda expansiva básica de una de estas bombas, y colocarlo entre edificios y lugares públicos de interés.

La mención de la posibilidad de ser copiado y replicado, levanta el copyright y permite la viralización y la apropiación masiva de la misma.

4.- IMÁGENES

Primera propuesta – Teatro de Operaciones

Segunda propuesta – Escultura Inmaterial

 

5.- COMPARATIVA

Ambas dos recrean escenarios de guerra imaginarios pero potencialmente posibles, en un caso más evidente y en el segundo materializa la imagen en el pensamiento.

En ambos la crítica está presente, Por ejemplo, en el primer caso, inicialmente vendría la crítica enfocada en la posible manipulación de las imágenes en un lugar público y muy probablemente transitado por niñas/os, generando rechazo. Para luego, quizás, reconocer que lo visualizado es una situación real en un país en guerra, que aunque no se esté en esa situación es “posible”; y a continuación pensar ¿si esta escena se convirtiera en real?, para finalmente concluir, ¿qué he de hacer para evitar este posible escenario?.

En el caso de la escultura invisible, la primera crítica vendría de cuestionar ¿por qué la “nada” es o puede ser arte?, ¿dónde está la imagen?, ¿dónde está lo evidente?, para después generarlas en la mente, en el pensamiento, y crear tus propias interpretaciones, basadas por tu contexto personal (actual, pasado).

Se pone en evidencia que en los potenciales proyectos, estos parten de la crítica de la obra, per sé, para después desplazarse a una generación de ideas, totalmente personales, y múltiples. Muy probablemente, en la primera propuesta, el primer pensamiento coincida en la mayoría de las contempladoras. Para la segunda, no estoy del todo convencido que el primer pensamiento coincida.

En ambos casos no estoy seguro que la evolución del pensamiento llegue a lo esperado y se quede en la crítica. Seguro que no será el 100%, mi duda está en cuál de ambos casos la evolución del pensamiento llegue a la conclusión de que cualquier lugar en el planeta tiene el “peligro” de sufrir las consecuencias de una guerra. Quizás en el primer caso, la furia generada como primera impresión obnubile el pensamiento, y se pase a la defensa de lo chocante de las imágenes para las/los viandantes. En la segunda, la crítica referente a algo inmaterial se considere arte, puede ser efímero y finalmente se concentre en el mensaje y despierte el pensamiento y la crítica al sin sentido de las guerras y a las víctimas de ellas. Principalmente, las niñas, los niños.

Sofia Montenegro – Artista invitada – Espacios y escenas

Al  investigar los espacios en los que Sandra Montenegro utiliza para actuar y habitar los espacios, encontramos elementos persistentes, utiliza los espacios donde realiza sus «residencias», y aprovecha los elementos físicos que suceden, viento, ruido, luz, sombras, y, fundamentalmente invita al público a pensar, meditar, escarbar, en sus mentes, en sus vivencias, creando contextos personales nuevos.

También cabe mencionar que las artistas que comparten residencia transitan por los mismos contextos y aprovechan y habitan los lugares, interpretando a su manera, estos. En ocasiones las técnicas son las mismas, pero no necesariamente.

Jugando y conjugando lo que vemos y lo que entendemos. no todo lo que se ve se siente, y todo lo contrario.

Sofia Montenegro – Artista invitada – Peers o coetáneos

Respecto al momento histórico, podemos encontrar dos de los artistas con los que comparte los Proyectos seleccionados este 2024: Espai Capella. Las tres son residentes de Hangar, intuyo es su punto de conexión y también de distanciamiento, ya que, transitan por recursos similares, el contexto, el uso de aparataje, pero enfocándose en este «espacio» con recursos diferentes. Aunque Sofía, transita por las técnicas de sus «peers» y las usa combinadas.

En su background conceptual, tengo la impresión de que sus diversas «residencias» han esculpido su producción artística; y que el intercambio «constante» que logras en este tipo de residencias, ayuda a aprender de otras y de apropiarse, también, de lo  que sea preciso para lograr el nivel de expresión deseado.

PEERS

Michael Lawton. También como Sofía Montenegro, este artista ha realizado residencias, y probablemente coincidido en ellas, y se encuentran como artistas seleccionados en Barcelona, PRODUCCIÓ 2023-24: EXPOSICIÓN INDIVIDUAL ESPAI CAPELLA. Eso sí, Michael trabaja con imágenes, tomadas de la vida real, desplazándolas e interpretándolas en contextos diferentes.

» Lawton se trasladó a Barcelona en 2017. Desde entonces ha completado residencias en Hangar y en el Centro de Estudios y Documentación del MACBA, y comenzó una larga residencia en La Escocesa, que todavía está en curso. El año pasado expuso individualmente Cangles en la Fundación Arranz Bravo y este año La piedra ritual de Collserola en el Centro de Arte Maristany. También ha participado recientemente en las siguientes exposiciones colectivas: Seeing, Feeling, Forgetting, en la APT Gallery (Londres); Al alcance, en la galería Dilalica (Barcelona), y Aliento, en la galería Nogueras Blanchard (Barcelona).» https://www.lacapella.barcelona/es/te-recuerdo-de-una-vida-futura.

Valentina Alvarado y Carlos Vásquez. Ellos coinciden, también, con Sofía Montenegro y Michael Lawton en la Exposición Individual Esai Capella. Investigan en el campo de la imagen mediante dispositivos fílmicos, y coinciden con Sofía en el uso de «instalaciones» (Y si ver era el fuego), y también performance: Echo Chamber. Y residentes en Hangar.

Trabajo de Sofía en el Espai Capella

En este trabajo la artista «continúa» con su relato, en una instalación, utilizando los componentes de esta, la atmósfera, y el pensamiento de las personas que participan en ese momento de la muestra. Y se podrá visitar del 30 de abril al 7 de julio de 2024.

«Maquinal es un movimiento que se produce de manera automática o involuntaria, un proyecto expositivo para mediar la mirada y la percepción de La Capella con el fin de que operen de otra manera. El espacio se tratará como un plano fílmico en el que irán sucediéndose una serie de escenas. Ahora estamos en el exterior, al aire libre. Son las múltiples capas de realidad que tienen lugar de manera simultánea. Las vemos cada día, pero siempre son diferentes a las anteriores. El proceso será conducido por esta pregunta: ¿qué separación hay entre lo que vemos y lo que imaginamos?».  https://www.lacapella.barcelona/es/maquinal

Sofia Montenegro – Artista invitada

Sofia Montenegro desarrolla su trabajo entre el sonido, la imagen, el texto, la mediación y las escénicas. Con lo cual utiliza imagen, sonido, texto y prácticas performativas.

 

BIOGRAFÍA

«El seu treball s’ha destacat per la creació d’instal·lacions multimèdia, performances i obres audiovisuals que exploren la convergència entre diferents mitjans artístics». Wikipedia: https://ca.wikipedia.org/wiki/Sof%C3%ADa_Montenegro

PROYECTOS SELECCIONADOS BARCELONA PRODUCCIÓ 2023-24: EXPOSICIÓN INDIVIDUAL ESPAI CAPELLA 

Michael Lawton, Te recuerdo de una vida futura

Valentina Alvarado y Carlos Vásquez, el otro aquí

Sofía Montenegro, Maquinal

https://www.lacapella.barcelona/es/proyectos-seleccionados-barcelona-produccio-2023-24

TRABAJOS

En su trabajo Relámpago: Agitar con fuerza (fruto de su residencia en el MACBA) prueba estrategias de simulación sonora para transformar la percepción de lo que se observa, resultado de su deseo de explorar la forma en la que se construyen la ficción y el artificio en el cine para aplicarlos a un espacio real.

En su trabajo Venir y ver. «es una pieza de sonido para escuchar mirando una ventana, que en esta ocasión sucederá en un espacio a oscuras.» https://cultura.cervantes.es/budapest/es/Procesos:-De-N-a-S-y-de-E-a-W—Sof%C3%ADa-Montenegro/164387. 

En su trabajo Hangar “Mover el viento “.  «Es una instalación que hace visible lo invisible. Compuesta por luces y sonidos vinculados a las funciones y las acciones de las puertas y ventanas del edificio de Hangar. Mediante un sistema de sensores de movimiento, la circulación de aire que cruza el edificio, al ser habitado y vivido, se traslada a una experiencia sensorial»

Sofía Montenegro presenta Mover el Viento en LLUM BCN

Proyecto II. P1_fase 2: Llevar el terreno al gabinete

Tal como se describe en la Actividad 1, en la segunda fase, «Llevar el terreno al gabinete», hemos de proponer un contexto a partir del cual desarrollaremos el proyecto. Así no «exista».

Con lo que tenemos que focalizar el entorno (relevante y atractivo). Yo, personalmente, estoy mentalmente contextualizado por varios temas, por mencionar uno: las guerras y el daño a la niñez causada por estas, hoy vemos en los medios de «información» (o desinformación) y nos «mueve» y conmueve (creo yo) al mundo «entero». El contexto es mundial, y exageradamente manipulado. Pero podemos desplazar en el espacio y tiempo, lo que sucedió en España, hace unos años o hace 89 años. Bombas en trenes (11M-Madrid), bombas en ciudades (1936-Guernica). Población civil y no en «guerra».

Creo que ayer (16-03-2024) se ha movilizado la comunidad rusa en Barcelona, pidiendo la salida del actual presidente de ese país. Tengo más ejemplos de ciudadanos/amigos que tienen vergüenza ajena por los actos de sus gobernantes y/o líderes…

Si la mayoría de los ciudadanos del mundo no queremos ni pretendemos las guerras, como es que los mecanismos de poder nos llevan a ellas….

Así mismo reflexiono, ¿cómo es posible que cuando se gana un mundial de futbol o similar, se inundan las calles de personas para celebrarlo?….

El entorno de mi proyecto es cualquier lugar, cualquier escuela, cualquier universidad, cualquier hospital, en cualquier país, de cualquier religión.

Intervenir cualquier lugar, hacerlo participativo, viral, mental, arriesgado. Este proyecto tiene más componentes invisibles, a pesar de que la lógica te dice que está en todas partes. Y me viene a la memoria, la escultura invisible de Salvatore Garau(3).  Donde pone a trabajar el pensamiento de quien contempla la «obra de arte».

Después de escribir los párrafos anteriores, me doy cuenta que es inmaterial o ubicuo mi contexto. Ello debe ser consecuencia de que aún no «materializo» lo que me afecta y lo que quiero afectar. Intuyo que algún comentario de las compañeras o de la profesora, me conducirá a concretizar.

Es cierto, que en determinado momento, he visualizado una escuela de parvulos, que desplazándola al contexto de guerra, me proporcionaría algo físico, material; y que los familiares que recogen a las niñas, pueden ser partícipes… Que se armaría un revuelo de dimensiones «infinitas» si mencionara que pretendo «simular» un escenario de guerra en ese lugar. Solo de pensarlo me violenta. No creo que logre el objetivo de sensibilizar y movilizar por la pacificación. Sino, todo lo contrario. Entraremos en la discusión si ello es arte, es manipulación, etc.

También he pensado acerca «del viaje del juguete perdido», donde visualizo niñas con armas de guerra jugando en el patio de la escuela. En el mundo imaginario de una niña en guerra, muy probablemente el «juego» es matar al enemigo.  Cuando tenga 20, 30 años, ¿seguirá jugando?.

Seguimos.

 

Notas.-

(3) Hace unos meses se vendió una obra de arte (escultura invisible), que era un “espacio vacío” por unos 15.000 dólares[1]. La «técnica» utilizada no es la habitualmente usada por las distintas corrientes de expresión plástica. Que en su caso está enfocada en la creación subjetiva del pensamiento del espectador; en la que este es creador, protagonista último y contemplador de su propio pensamiento[2].

[1] Gómez Fuentes, Ángel. (01/06/2021 10:38h). “Un artista vende por 15.000 euros una escultura inmaterial, invisible, que no existe”. https://www.abc.es/cultura/arte/abci-artista-vende-15000-euros-escultura-inmaterial-invisible-no-existe-202105281941_video.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F, consultado 11-04-2023..

[2] La eliminación de la infraestructura y la aparatización que hace Garau, pone el foco en algo que nadie espera, pero que «todos» lo buscamos. Concentrando en ese metro cúbico millones de pensamientos y elaboraciones mentales de cada contemplador/a. Devolviendo a la atmósfera ese poder flotante, resistiendo e impidiendo a un único universo y punto de mira; donde las leyes de la perspectiva lineal existen pero que ni se ven pero sí se sienten.

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